Najlepsze filmy z Festiwalu Filmowego w Cannes w 2025 r., o których wszyscy będą mówić

W tym, co można by nazwać odejściem od turecko-niemieckiego autora Head-On , klasyczny Amrum Akına podąża za dzieciakiem na tytułowej niemieckiej wyspie w ostatnich dniach II wojny światowej. Jest Nanningiem (Jasper Billerbeck, utalentowany nowicjusz), obciążonym dzieckiem wychowanym przez nazistowską matkę, indoktrynowanym ideologią Hitlerjugend wbrew jego woli. Ale gdy powoli odkrywa swój własny kompas moralny, zdaje sobie sprawę, że zawsze był tam, aby pomóc mu odróżnić dobro od zła. Ustrukturyzowany jak mroczna, ale pełna wdzięku bajka, która podąża za Nanningiem przez wyspę, gdy szuka podstawowych artykułów, aby nakarmić swoją matkę, Amrum (napisany przez Harka Bohma i oparty na jego własnych wspomnieniach) staje się aktem hojności, przedstawiając jeden z takich bezinteresownych dobrych uczynków. To cichy, poruszający duszę film.

Obawiaj się wybuchającej furii niezadowolonej młodej matki mieszkającej na odludziu i rozkoszuj się jednym z najlepszych występów w karierze Jennifer Lawrence. Po Causeway (2022) to wciąż niezrównane doświadczenie, aby zobaczyć, jak obejmuje swobodne i ryzykowne zakątki kina niezależnego, rodzaju Winter's Bone , który sprawił, że zakochaliśmy się w niej na samym początku. Dziki, dziki i skrupulatnie zaprojektowany, niezwykle oryginalny Die, My Love Lynne Ramsay wystawia Lawrence'a i Roberta Pattinsona na próbę, gdy seksownie i bezgranicznie przedstawiają zaciekłą parę. Szum w Cannes nazwał to „filmem o depresji poporodowej”, ale ten niekompletny skrót błędnie przedstawia prawdę leżącą u podstaw filmu Ramsay. Die, My Love to zarówno gorąca analiza związku, jak i filmowa pieśń pochwalna na cześć każdej nieposkromionej kobiety, która jest w kontakcie ze swoim sercem pełnym pożądania i drażliwym umysłem – kobiety, która bez ogródek pragnie wszystkiego tak, jak tego chcą.

Życie w wiecznie podzielonych Stanach Zjednoczonych i obserwowanie najgorszych instynktów kraju w zakresie zaprzeczającej nauce bigoterii może doprowadzić do szaleństwa. W swojej kontynuacji odurzającej odysei w ludzką psychikę Beau is Afraid Ari Aster przekształca codzienne amerykańskie szaleństwo w jeden z najbardziej kompletnych artystycznie i kompulsywnie oglądalnych doom-scrolli roku. Jest wnikliwy, cudownie szalony i często bardzo zabawny. (Być może nadszedł czas, abyśmy uznali, że poczucie humoru Astera jest równie ostre, jak jego umiejętności horroru). Jego Eddington jest zarówno ostatecznym filmem COVID, jak i współczesnym westernem, kulminującym w znakomicie wyreżyserowanym i stopniowo mroczniejszym finale. Teraz, będąc filarem Astera, Joaquin Phoenix jest tutaj, co nie jest zaskakujące, sensacyjny jako skorumpowany szeryf swojego miasta. Podobnie jak Pedro Pascal, w roli jego głównego przeciwnika.

Piękny film Hermanusa z 2022 roku Living był mistrzowską klasą czułej powściągliwości, a to samo można powiedzieć o jego doskonałym filmie z Paulem Mescalem i Joshem O'Connorem w rolach głównych, który opowiada cichą epicką historię miłosną między dwoma młodymi muzykologami na tle I wojny światowej. Podczas gdy rzeczowy sposób, w jaki Hermanus traktuje miłość i tęsknotę między dwoma mężczyznami jako coś oczywistego w filmie historycznym, jest cicho radykalny, to co jest najbardziej wyjątkowe w The History of Sound, to to, jak ponadczasowo klasyczny się wydaje. Jego zasięg obejmujący kontynenty i podróż przez unikalne dźwięki i nuty muzyczne starej Ameryki (ścieżka dźwiękowa jest boleśnie piękna) umieszczają Cię na stronach wspaniałej, zaginionej powieści, aż do bogato zasłużonego, przypominającego Pokutę zakończenia filmu. W latach 90. otrzymywaliśmy tego typu wysublimowane, ale dostępne prestiżowe obrazy wystarczająco często. Dzisiaj wydaje się, że jest to rzadka przyjemność, w której można się rozkoszować.

To było historyczne wydarzenie dla Jafara Panahiego, aby powrócić do Cannes osobiście po raz pierwszy od 2003 roku. Irański mistrz, który był często celem ataków reżimu irańskiego, aresztowany przez lata i pozbawiony możliwości kręcenia filmów, nigdy nie przestał rzucać wyzwania swojemu rządowi poprzez przełomowe dzieła, takie jak This Is Not a Film (2011). Zwolniony z więzienia w lutym 2023 roku, Panahi podpisuje się teraz pod jednym ze swoich najlepszych i najbardziej osobistych filmów do tej pory, śledząc grupę zwykłych ludzi, którzy próbują ustalić, czy mężczyzna, którego schwytali, jest faktycznie tym, który torturował ich w więzieniu. Początkowo thriller zemsty, a następnie rozległe i godne przesłuchanie pojęć takich jak zemsta, przebaczenie, moralność i zamknięcie, tegoroczny zasłużony zdobywca Złotej Palmy przedstawia znakomity argument za chwytaniem się naszego człowieczeństwa dla drogiego życia, bez względu na okoliczności.

Trudno znaleźć filmy tak głęboko przeżywane i intymnie obserwowane jak Mała siostra . Prowadzona przez oszałamiająco pewny występ Nadii Melliti (tegorocznej laureatki nagrody dla najlepszej aktorki na festiwalu), stonowana medytacja Herzi jest cierpliwym i współczującym małym dramatem o praktykującej muzułmańskiej dziewczynie w Paryżu, poruszającej się w rytmach swojego miasta pełnego możliwości, odkrywającej swoją rozwijającą się tożsamość jako lesbijki i próbującej pogodzić swoje potrzeby i pragnienia z naukami swojej religii. Jednym z największych osiągnięć filmu jest absolutne odrzucenie przez Herzi klisz. Podczas gdy gorszy film wycisnąłby sok z konserwatywnego muzułmańskiego tropu rodziny (którego ten muzułmański krytyk ma już dość), Mała siostra tworzy piękną scenę matki i córki, w której bezwarunkowa miłość jest głęboko odczuwana i ma głęboko uniwersalny przekaz.

Jak wyglądałby i jak by się czuł film o napadzie Kelly Reichardt? Odpowiedź znajdziesz w olśniewającym małym kaprysie The Mastermind , delikatnej i cudownej komedii komediowej ożywionej duchem kina lat 70. (ale stonowanej i bezpretensjonalnej). Josh O'Connor wzruszająco i podstępnie gra złodzieja dzieł sztuki w miasteczku w Nowej Anglii, który ma pecha i jest skrępowany serią złych decyzji. Z ujmująco jazzową ścieżką dźwiękową, która wydobywa osobliwy humor filmu, The Mastermind jest nowym amerykańskim klejnotem i być może najbardziej komercyjnym filmem Reichardt.

Pierwszy nigeryjski film, który kiedykolwiek miał premierę w Cannes, imponujący debiut Daviesa Jr. opowiada historię pod presją, która rozgrywa się w ciągu jednego dnia w 1993 roku, podążając za prawie nieobecnym ojcem (niesamowitym Ṣọpẹ́ Dìrísù), który podróżuje z miasteczka do Lagosu ze swoimi dwoma młodymi synami, którzy go ubóstwiają. Na tle wyborów prezydenckich w kraju, introspektywny pierwszy film Daviesa Jr. jest udanym studium kontrastów: przemocy zestawionej z ludzkością, niepokojów społecznych z łagodnymi i serdecznymi chwilami dzielonymi przez rodzinę oraz dziecięcego zdziwienia z tragicznymi okolicznościami. Film jest również wielowarstwowym portretem czarnej męskości, zarówno z uwielbieniem widzianej oczami młodych bohaterów filmu, jak i niesionej z poetycką równowagą przez Dìrísù.

Elegancki list miłosny Linklatera do wpływowej ery francuskiego kina (która zainspirowała nawet pokolenie Nowego Hollywood) byłby ogromnym osiągnięciem, nawet gdyby nie zrobił nic więcej niż hojnie zaprosił początkujących kinomanów do historii filmu, nie onieśmielając ich. Ale amerykański autor luźnych rytmów i organicznie płynnych dialogów osiąga o wiele więcej dzięki swojej radosnej, pięknej opowieści o powstawaniu przełomowego filmu Jean-Luca Godarda Breathless. W oszałamiającej czerni i bieli oraz z ziarnistą jakością dźwięku epoki daje nowe życie obrazowi z epoki, czyniąc go romantycznym, wykwintnie szczegółowym i ponadczasowym. Dzięki fascynującym i niesamowicie wymagającym występom Guillaume'a Marbecka i Zoey Deutch jako Godarda i Jean Seberg, lista mistrzów, których Nouvelle Vague honoruje (François Truffaut, Claude Chabrol, Agnès Varda i inni) jest równie bogata, jak film, który ich otacza. Linklater uwielbia ten okres i chce, żebyś również został kochankiem.

„Słodki” prawdopodobnie nie byłoby pierwszym słowem, jakie przychodzi na myśl, gdy myśli się o romansie BDSM. Jednak to słowo idealnie podsumowuje Pillion , nowy film debiutującego scenarzysty i reżysera Harry'ego Lightona. Mieszkając ze swoimi wspierającymi i miłymi rodzicami, Harry Melling, od razu ukochany młody chłopak, próbuje zrozumieć pełne spektrum swojej tożsamości jako geja, podczas gdy (według słów filmu) „niemożliwie przystojny” Alexander Skarsgård gra hardcorowego motocyklistę, który staje się obiektem zainteresowania Mellinga. W całym Pillion jest perwersyjny seks, przypadki przemocy, lizanie butów i kilka innych szokujących obrazów, bez lęku zrealizowanych przez dwóch wykonawców. Ale dzięki delikatnej linii tonalnej, którą Lighton promiennie kroczy z uczuciem i humorem w subkulturze, wszystko to schodzi na dalszy plan w obliczu głęboko rezonującej i rozbrajającej historii o dorastaniu, która stanowi sedno filmu.

Wspaniały debiut, który wnosi dreszczowiec do obozu letniego dla chłopców, w którym gra się w piłkę wodną. The Plague zadaje aktualne pytania o znęcanie się, rodzącą się męskość i ducha sportowego. Ten genialnie napisany film, wykorzystujący w pomysłowy sposób podstawowe ruchy gatunku horroru, zaczyna się jako swego rodzaju konklawe wśród nastoletnich chłopców (wraz z nieustannie ścigającą kamerą i huśtawkową ścieżką dźwiękową), by później osiąść w niepokojącym badaniu egzystencjalnych lęków męskiej adolescencji. Everett Blunck jest cudowny jako świeżo prześladowany dzieciak zarażony symboliczną i tajemniczą zarazą, podobnie jak Joel Edgerton z jego ograniczonym czasem ekranowym jako trener chłopców. Ale prawdziwym hitem jest główny oprawca obozu, grany przez Kayo Martin w występie, który sygnalizuje przybycie przyszłej gwiazdy filmowej.

Najbardziej awanturniczy i formalnie ambitny film tegorocznego konkursu (a także jeden z najwspanialszych w sekcji), kontynuacja filmu Bi Gana „Podróż w noc” z „Długiego dnia” sprawia wrażenie, jakby znajdował się we śnie. I podobnie jak sen, trudno oddać mu sprawiedliwość za pomocą samych słów, a być może jeszcze trudniej jest go sklasyfikować. Podzielona na rozdziały, ale płynna narracja zabiera nas w pełną niepokoju podróż przez historię kina, nawiązując do jej różnych stylów, epok i mistrzów, takich jak Méliès i Murnau, podczas gdy film ekscytująco zmienia się na każdym kroku. Gwiazdy Jackson Yee i Shu Qi nieustannie zaskakują, a zdumiewający film, w który kulminuje „Zmartwychwstanie” , to poruszający wyczyn, który zainspiruje przyszłe pokolenia.

W tym roku nie zobaczysz lepszego thrillera politycznego niż ultra-szykowny gatunkowy wpis Filho, luźno nawiązujący do obrazu Costa-Gavrasa. Po zeszłorocznym brazylijskim arcydziele I'm Still Here, który zdobył Oscara, jest to kolejny nokaut osadzony na traumatycznym tle dyktatury kraju. Ostatnio widziany w Wojnie domowej , Wagner Moura dostarcza głęboko enigmatycznego występu w swoim powrocie do brazylijskiego kina jako człowiek technologii z lat 70., który chce odnowić kontakt ze swoim synem w małym miasteczku, podczas gdy zabójcy powoli go doganiają. Dzięki zwinnemu i stopniowo mroczniejszemu scenariuszowi, który śledzi tajemniczą odciętą nogę pośród skorumpowanych enklaw wstrząsającej przeszłości kraju, The Secret Agent jest gotowy, aby mieć silny występ w całym sezonie nagród (po zdobyciu nagród dla najlepszego reżysera i aktora w Cannes). Bonus: pokochasz wszystkie dobrze skalibrowane upadki igieł i nostalgiczne odniesienia filmowe, które obejmują Szczęki .

Prawdopodobnie słyszałeś, że piosenkarka Charli xcx ogłosiła nadchodzący sezon „Joachim Trier Summer”, frazę uwiecznioną przez Elle Fanning stylową koszulką, którą miała na sobie w Cannes. Cóż, nazwijmy to również „Joachim Trier Awards Season”, ponieważ jego głęboko refleksyjny film o traumie pokoleniowej i uzdrawianiu rodziny poprzez sztukę i kino ma zamiar zrobić furorę tuż po jego ukochanym The Worst Person in the World . Ponownie spotykając się z gwiazdą Worst Person Renate Reinsve — gra ona gorączkową aktorkę prześladowaną przez przeszłość — i dając Stellanowi Skarsgårdowi jedną z ról definiujących jego karierę jako beznamiętnego reżysera filmowego kierującego niekonwencjonalnym osobistym projektem, Trier opowiada wzruszającą i niespodziewanie pełną humoru historię, która złamie cię, zanim znów cię uzdrowi. Można tu dostrzec ślady twórczości Czechowa i nawiązania do najlepszych elementów Trylogii Oslo tego reżysera; po obejrzeniu filmu poczujemy nową wdzięczność za wszystko, co potrafi kino.

Przyszłość brytyjskiego realizmu społecznego w kinie wygląda obiecująco niż kiedykolwiek, dzięki reżyserskiemu debiutowi aktora Harrisa Dickinsona, opowiadającego współczesną historię bezdomnego w Londynie i ślepego zaułka, w którym się znalazł. Fakt, że Urchin starannie przypomina brytyjskie klasyki, nie jest w najmniejszym stopniu zaskakujący, biorąc pod uwagę, że reżyserem jest zapalony kinoman, który z dumą nosi tatuaż Kes na ramieniu i najwyraźniej zna swojego Kena Loacha i Mike'a Leigha od podszewki. Mimo to Urchin wcale nie kopiuje tego, co było przed nim. Podniesiona przez przenikliwy przełomowy występ Franka Dillane'a i pogłębiona przez głęboko humanistyczne pisanie Dickinsona, przemyślana wizja aktora-reżysera jest całkowicie nowoczesna i jego własna. Może być najbardziej ekscytującym nowym autorem do oglądania od czasów braci Safdie.