Montreux Jazz Festival: sul palco musicisti umanoidi difendono la loro supremazia contro l'intelligenza artificiale

No, Jamie XX, non può durare ancora a lungo. Negli ultimi dieci o vent'anni ci siamo abituati a ritmi pop creati al computer. Questo permette una ricchezza apparentemente inesauribile di timbri e variazioni ritmiche, che possono ispirare produttori di talento come Jamie XX a creare paesaggi sonori affascinanti. Ma la domanda che si pone sempre è come le tracce elettroniche possano essere portate in un concerto, come si possa trasformare del materiale preconfezionato in musica dal vivo.

Jamie XX presenterà il suo ultimo album, "In Waves", domenica sera sul palco all'aperto del lago del Montreux Jazz Festival. Il produttore nerd ha ancora una volta combinato una varietà di ritmi techno e house con un esuberante spettro timbrico, impreziosito da accattivanti sample vocali. Conosce il suo mestiere, senza dubbio. E all'inizio, si rimane travolti dalla potenza sonora che esplode dagli altoparlanti.

Ma l'effetto di questa abbondanza si esaurì rapidamente. Da un lato, la sua diversità sonora non sembrava più innovativa; tendeva anche all'arbitrarietà. Tra qualche anno, si immagina, un produttore di intelligenza artificiale potrebbe scavare tra le ricadute della storia del pop in modo analogo per creare mix analoghi.

D'altro canto, Jamie XX non fa molto di più sul palco che cliccare su qualche file sul mixer. Mentre altri produttori a Montreux negli ultimi anni hanno almeno arricchito le loro tracce con un concept di luci e video inebriante (come i Chemical Brothers), Jamie XX si limita a mostrare il pubblico danzante su schermi widescreen, che non si lasciano rovinare il buon umore dall'arrivo della pioggia.

Forse era proprio questa l'idea dei creatori del programma: Jamie XX doveva semplicemente fare il DJ, creare l'atmosfera e preparare il pubblico all'artista principale della serata: FKA Twigs, che, a differenza di Jamie XX, sa come creare uno spettacolo basato su tracce pop sintetiche. La performance della trentasettenne britannica di origini ispano-giamaicane si rivela presto una brillante opera d'arte, che culmina in un'intima musicalità.

FKA Twigs è un'artista dai molteplici talenti. Nel primo e nel secondo atto del suo concerto, si è presentata principalmente come coreografa e ballerina. Sulle note techno rumorose e travolgenti del suo nuovo album "Eusexua", lei e un corpo di ballo di nove persone volteggiano sul palco, in particolare su una grande struttura in ferro a sei scomparti.

Da un lato, si tratta della piacevole presentazione di fisici sensuali e sincronizzati. Una citazione da "Vogue" di Madonna, ad esempio, celebra la scena queer delle ballroom newyorkesi. Dall'altro, i corpi sembrano spesso, come serpenti o vermi sofferenti, volersi liberare dai vincoli del ritmo aspro e dalla costrizione degli abiti.

La sofferenza dell'amore e della solitudine, il dolore fisico e l'ebbrezza sessuale, questi sono i temi principali di questa artista incomparabile, che si esibisce anche come ballerina di lap dance e spericolata danzatrice con la spada. Ma a un certo punto, si esagera. Troppo rumore, troppo spettacolo!

Che FKA Twigs sia pienamente consapevole di questo pericolo, che sia parte di una drammaturgia sofisticata, è evidente nel modo in cui riduce il disordine multimediale nell'atto finale. La musica si fa più calma, il corpo di ballo in abiti scuri si dispone in formazioni fisse, mentre la star, ora completamente vestita di bianco, si presenta davvero come una cantante, una sirena languente.

Il repertorio si conclude con le ballate techno di FKA Twigs come "Water Me" e "Sticky", con cui ha arricchito la musica pop di un nuovo genere. Come nessun altro, riesce a ricondurre il suono meccanico a una dinamica umano-fisica. I suoni sono minimizzati e i tempi variati per dimostrare, attraverso la voce e la danza, come si possa cadere preda di una disperazione improvvisa a causa dell'ebbrezza di ritmi ripetitivi. Le lotte emotive si manifestano poi in impulsi spontanei, e il dolore in una ripetizione spastica.

Alla fine, tutti i ballerini sono scomparsi. La cantante è ora sola con la sua solitudine e un silenzio incombente, cantando un'ultima canzone e coronando la sua performance con un momento tanto triste quanto magico.

In "Cellophane", è accompagnata solo da fugaci suoni di pianoforte mentre esprime il suo dolore in lamenti acuti e striduli. Il registro acuto ricorda la Regina della Notte, il dolore più quello di Aida. FKA Twigs fa pause ripetute. Il pubblico applaude euforicamente, ma la cantante prende un altro respiro per un altro sospiro, un altro singhiozzo. Alla fine – il pianoforte si spegne, il pubblico applaude euforicamente – FKA Twigs toglie il volto rigato di lacrime dai riflettori.

Lunedì sera sul palco del lago si esibiranno due band britanniche, i cui chitarristi, bassisti, batteristi e cantanti sanno benissimo cosa fare, anche se si concedono qualche stravaganza.

I britannici dei Bloc Party dimostrano quanta energia abbia ancora la loro band. Pur sembrando privi di ispirazione, suonano canzoni collaudate, la maggior parte delle quali provengono dal loro album di debutto del 2005, "Silent Alarm". I groove funk e punk emergono diretti e coinvolgenti in brani come "Banquet", "Price of Gasoline" e "This Modern Love". Il cantante Kele Okereke è convincente come cantante impegnato, seppur un po' monotono. Ma questo concerto non è fatto di spavalderia. Il fascino sta nel fatto che la band suona una canzone, e i fan la riconoscono immediatamente dopo poche note o battute: urlano "Yeah", alzano le mani al cielo o soffocano con la birra dalla gioia. E ci si rende conto di quanto la ripetizione sia importante per la cultura e la tradizione.

I musicisti dei Bloc Party stanno in realtà facendo qualcosa di simile ai veterani del brit-pop Oasis, che celebrano il loro ritorno dal vivo come l'evento dell'anno semplicemente riproponendo vecchi successi. Tuttavia, il ritorno dell'originale brit-pop Jarvis Cocker e della sua band Pulp è più emozionante in quanto hanno dato il via al loro attuale tour con il nuovo album "More", il loro primo album in studio in 24 anni.

Non sorprende quindi che Jarvis Cocker si sia esibito al suo primo concerto a Montreux con grande verve, carisma e sicurezza. Con il suo abito grigio scuro e la camicia marrone, i pesanti occhiali neri e i capelli arruffati, il musicista sessantunenne sembra più un professore distratto che una pop star. E come cantante, ricorda non solo idoli come David Bowie, ma anche comici come Helge Schneider. Eppure, questo personaggio è accompagnato da un'aura di fascino e malizia.

Jarvis Cocker e la sua band di dieci elementi offrono un inizio atmosferico con tre nuove canzoni mature e vivaci: "Spike Island", "Grown Ups", "Slow Jam" e la hit dei Pulp "Disco 2000", che tutto il pubblico canta a squarciagola. Diventa subito chiaro che le hit sono davvero essenziali per artisti pop come i Pulp.

I Pulp ebbero l'idea problematica di concatenare composizioni complesse come "This Is Hardcore" o "Sunrise" nella parte successiva del loro repertorio. Strutturalmente, assomigliano a complicati fogli di costruzione con molteplici pieghe; o a piste da corsa giocattolo con così tante curve che l'inizio e la fine si connettono a malapena.

Nelle versioni in studio, il suono era orchestrato in modo sinfonico e variegato. In concerto, tuttavia, si ha l'impressione che la sostanza musicale di chitarre, violini, basso e percussioni sia sempre impastata e curata in modo simile. Il suono lussureggiante, tuttavia, è in contrasto con il sottile senso dell'umorismo di Jarvis Cocker.

Non c'è da stupirsi, quindi, che il concerto sia stato un po' una stasi. Nonostante le immagini bellissime, colorate e nostalgiche, tra l'altro, che ti trasportavano in un cabaret, in una discoteca anni '70 o persino in un supermercato. Ma d'altronde, anche Jarvis Cocker può contare sui suoi successi. E così, il concerto dei Pulp si conclude comunque con un finale festoso grazie a "Common People".