Un final artificial para la Décima Sinfonía de Beethoven

«Atención, esta noche escucharán el futuro: los riesgos y efectos secundarios son inciertos». Esta señal de advertencia habría sido apropiada aquella noche de octubre de 2024 en la sede de Brainlab en Múnich-Riem. Al principio, todo apuntaba a una experiencia de concierto normal: el público expectante en la sala a oscuras, el escenario iluminado. Pero entonces ocurrió algo inusual. Además de los intérpretes y compositores, la inteligencia artificial (IA) también hizo su aparición en el podio, invisible, pero inconfundible.

Por ejemplo, se interpretó una pieza de Franz Schubert, que se continuó con diversas variaciones gracias a la ayuda de IA. En el siguiente concierto para piano, la parte solista fue compuesta íntegramente por IA y tocada en un piano autónomo; solo la parte orquestal requirió participación humana. El título de la tercera pieza, acertadamente "Negociación", fue: el hombre y la máquina dialogan, discutiendo y debatiendo sobre la creatividad y el sonido.

¿Fue todo esto un simple experimento descabellado? ¿O es lo que inspiró o irritó al público en esta colaboración entre la Universidad de Música de Múnich y la Filarmónica de Múnich realmente la música del futuro?

Al explorar la importancia de la digitalización y la IA para la música, surgen preguntas de dimensiones existenciales. ¿Cómo sonará la música de las próximas décadas y siglos? ¿Cómo cambiará la IA el mundo, en particular el de la música clásica, tan tradicional? ¿Existe la creatividad técnica? ¿Serán los humanos eventualmente reemplazables como creadores artísticos?

Es indiscutible desde hace tiempo: la inteligencia artificial está en auge, y no se limita al mundo de las armonías, los ritmos y las melodías. Al contrario: hay buenas razones para creer que se está produciendo una revolución tanto dentro como fuera de escena, en las oficinas de desarrolladores de software, editores de música digital y en los estudios de muchos compositores.

El terror y la fascinación se entrelazan aquí. Prueba, por ejemplo, la nueva aplicación Cantai. Las piezas corales y vocales se interpretan con voces aparentemente reales; sin embargo, el sonido sorprendentemente "humano" es pura IA. O inténtalo tú mismo con programas de composición como Udio o Suno: basta con unas pocas palabras clave para crear una pieza musical generada por IA.

A primera vista, esto es una provocación gigantesca. ¿No es precisamente esta creatividad individual, esta inventiva, lo que define a la humanidad? ¿Y si no lo hace? ¿Qué pasaría si, en el futuro, los compositores perdieran sus trabajos, los instrumentistas fueran reemplazados por computadoras que tocaran a la perfección, y una máquina se transformara en el nuevo Mozart?

Aquí, dejaremos de imaginar antes de que tu ritmo cardíaco siga acelerándose y nos centraremos en ello. La digitalización en el mundo de la música no es un fenómeno nuevo; comenzó en la década de 1970, cuando se desarrollaron las primeras tecnologías de grabación digital. Un primer hito fue el formato MP3, que posteriormente facilitó la transmisión de música por internet. En 1981, el siempre experto director de orquesta Herbert von Karajan presentó el disco compacto como una sensación mundial en Salzburgo. Como resultado, los dispositivos analógicos de almacenamiento de datos, como los casetes y los clásicos discos, fueron cada vez más marginados; sin embargo, el mercado musical creció enormemente.

Eso también es historia. Hoy en día, los servicios de streaming son las plataformas más importantes para la distribución musical, y cuando la empresa Open AI presentó los primeros modelos de lenguaje extenso, incluso los músicos que antes trabajaban de forma puramente analógica pudieron intuir que, en el futuro, podría haber otro actor involucrado, además de compositores, intérpretes e instrumentos predominantemente mecánicos.

«Muchas piezas del rompecabezas nos han llevado hasta donde estamos hoy», afirma Matthias Röder. Como director del Instituto Karajan de Salzburgo, dirigió en 2021 «Beethoven X: El Proyecto de IA», que se debatió a nivel mundial. El reto: completar finalmente los borradores inacabados de Beethoven para la Décima Sinfonía. Esto se lograría con la ayuda de una arquitectura de transformadores, para la cual se entrenaron redes neuronales artificiales para detectar acumulaciones estadísticas de combinaciones.

«Al igual que con las palabras, existe una causalidad con las notas», explica Röder, y un modelo de transformador mapea las probabilidades: es decir, qué nota, basándose en el estilo personal característico de Beethoven, probablemente habría seguido a la anterior si la hubiera compuesto él mismo. Para ello, se le proporcionaron obras del propio Beethoven, así como de sus contemporáneos; luego se le presentaron los bocetos que se conservaban del compositor para una Décima Sinfonía y se le pidió que los desarrollara.

Un equipo de expertos finalmente examinó el resultado, lo editó exhaustivamente y creó un collage. Las reacciones al estreno final de la versión completa de la sinfonía fueron tan controvertidas como curiosas. "Hubo pasajes en los que los oyentes dijeron: Beethoven jamás la habría compuesto así. Y esos eran precisamente los pasajes originales de Beethoven", dice Röder con una sonrisa.

Röder ve la IA como una herramienta y un compañero de entrenamiento que puede utilizarse para realizar experimentos maravillosos, en particular para encontrar respuestas a la pregunta: ¿cómo funciona la creatividad humana y qué la define? «Un debate impulsado por el miedo no logra nada», afirma Röder, aunque admite que aún queda mucha explicación sobre el uso de la IA. «Muchos aún entienden la IA como una especie de caja negra que puede hablar. Pero no es un ser, sino simplemente una máquina estadística que funciona con lo que los humanos hemos dicho o compuesto».

Ali Nikrang, profesor de IA y creación musical en la Universidad de Música de Múnich y codirector del concierto futurista descrito anteriormente, explora cómo aprovechar al máximo esta máquina estadística en la práctica musical. «Las computadoras son muy rápidas en comparación con los humanos. Siempre me ha interesado cómo podrían ayudarnos a componer», afirma Nikrang. No ve ninguna contradicción entre la originalidad artística y la fría estadística.

De hecho, las personas no componen en el vacío, sino que se ven influenciadas por la música que las rodea, por las tradiciones y las influencias culturales. Tampoco es nuevo entender la música como una composición de estructuras. «Mozart ya combinaba aleatoriamente varias frases en su 'Juego de dados musicales', y Carl Philipp Emanuel Bach también experimentó con fragmentos», afirma Nikrang.

Sin embargo, a diferencia de los humanos, la IA carece de una percepción filtrada que permita realizar una evaluación estética. Para el investigador, esto también representa una oportunidad: «La IA puede brindarnos nuevas perspectivas sobre la música. Tiene una cantidad infinita de datos, pero no categoriza ni juzga; eso es una ventaja». En su cátedra, él y sus estudiantes entrenan una IA con una amplia variedad de piezas clásicas. La pregunta fundamental es: «¿Qué podemos hacer con la IA que sea artísticamente interesante y emocionantemente novedoso?».

La IA ya es capaz de componer una pieza que suena más o menos coherente, como Mozart o Haydn. "Pero eso no es particularmente interesante para un compositor. Les interesa más: ¿Dónde me encuentro en la música? ¿Cómo puedo usar la IA para que no se limite a imitar, sino que me sea útil como persona con mi deseo de expresión?", dice Nikrang. No ve la IA como una amenaza para la creatividad humana inherente. Solo las áreas que se centran exclusivamente en la imitación están en riesgo. En la mayoría de los casos, los humanos siguen siendo el factor decisivo al final de la cadena. La razón: si bien la máquina puede generar diversos escenarios musicales, no es capaz de reconocer cuáles podrían ser relevantes para la humanidad. "Eso depende del contexto social respectivo; solo los humanos pueden hacerlo", dice Nikrang.

La tecnología contemporánea debería facilitar la vida de los músicos de forma concreta, práctica y lo más burocrática posible. Esta es la opinión de Boian Videnoff, director artístico de la Filarmónica de Mannheim y fundador de la aplicación Enote. Como muchos de sus colegas, pasó décadas cargando montones de partituras en maletines de concierto en concierto, transfiriendo digitaciones probadas a lápiz a otras ediciones y buscando con esmero en archivos diversas ediciones. Ahora utiliza exclusivamente partituras digitales.

Para la aplicación, él y su equipo desarrollaron una tecnología diseñada para convertir la música impresa original en archivos completamente digitalizados. Funciona así: se escanea la música impresa y la imagen resultante se introduce en una IA. Esta analiza los símbolos que componen la imagen: «todo lo que es negro», explica Videnoff. La IA ahora asigna correctamente más del 99 % de estos símbolos.

"La calidad depende de la cantidad de datos de entrenamiento que tenga la IA", afirma Videnoff. Para detectar las desviaciones restantes, no solo se necesitan más datos de entrenamiento, sino también una gran comunidad, la famosa inteligencia de enjambre, que ayude a corregirlas; es decir, de nuevo, humanos. "De lo contrario, no es financieramente viable", añade Videnoff. Un paso intermedio en este camino son los llamados "PDF inteligentes", en los que la estructura de página respectiva está fijada en la notación, pero la IA ya puede reconocer repeticiones y frases o resaltar voces individuales. Para un solista que, por ejemplo, tuvo que marcar una parte de ópera en cientos de páginas con un resaltador para ensayarla mejor, esto es sin duda un alivio.

Cuando Videnoff habla de las posibilidades que podrían abrirse en el futuro, se llena de euforia. El objetivo final, en el mejor de los casos, es un "documento totalmente modificable al que también puedan conectarse otras tecnologías", afirma con entusiasmo. Serían posibles "cosas locas", como que la IA escuche música y "pase la página" en el momento justo; o incluso marque pasajes mal ejecutados.

Videnoff y sus colegas consideran la base de su trabajo, las obras mismas, como "propiedad común". El mundo editorial está bajo presión, y Videnoff espera acuerdos de licencia. Representantes editoriales como Ester Petri, directora general de Carus Verlag, y Paul Schäffer, de Schott Verlag en Maguncia, que ya ha publicado obras de Beethoven, ven las cosas de forma algo diferente.

En cuanto a la digitalización de partituras, también se están produciendo avances: desde la pandemia, Carus Verlag también vende archivos PDF digitales, cuyas ventas representan actualmente alrededor del cuatro por ciento del mercado total. «Aún hay mucho margen de mejora», afirma Petri, y añade que muchos aficionados, en particular, siguen cantando e interpretando música a partir de partituras impresas, es decir, en papel. En Schott, la demanda también aumenta «de forma lenta y constante, pero en absoluto rápida», afirma Paul Schäffer. «Suponemos que seguiremos tratando la música impresa y digital por igual durante al menos otros diez años. No obstante, nos estamos preparando para un posible punto de inflexión y actualmente estamos iniciando un proyecto integral de escaneo para digitalizar aproximadamente 5 millones de páginas de nuestras plantillas de producción».

Ambos comprenden la fascinación de una aplicación como Enote, pero aún queda mucho por aclarar. «El problema fue que, al principio, la empresa no nos veía como socios a los editores e ignoraba las implicaciones en materia de derechos de autor que conlleva el uso de nuestros productos editoriales», afirma Schäffer. Petri añade: «Se necesita una solución legal clara con contratos. Como editores, nos esforzamos por componer la música con la mayor precisión posible, de la forma más práctica posible. Se requiere una gran experiencia musical».

En la Abadía de Saint-Pierre de Solesmes, en el noroeste de Francia, se puede experimentar cómo la digitalización puede enriquecer el mundo musical. Los benedictinos han rezado, trabajado y cantado aquí durante milenios, pero en los últimos años se ha producido un fenómeno enciclopédico. De 2019 a 2022, se llevó a cabo un extenso proyecto de grabación que dio lugar a la aplicación Neumz. Esta aplicación contiene los cantos gregorianos completos del ciclo trienal del Novus Ordo, ahora accesibles en cualquier momento y lugar.

Además, un equipo de expertos trabaja en la digitalización completa del archivo Solesmes mediante una IA especialmente entrenada para DIMM, el Archivo Digital de Imágenes de Música Medieval de Oxford. Para ello, se están escaneando y catalogando 400.000 páginas de manuscritos y aproximadamente dos millones de cantos. Se estima que se descubrirán más de 4.000 cantos durante este gigantesco proceso, que podrían volver a escucharse por primera vez en más de 1.000 años.

"El futuro desde el pasado" es el lema del proyecto, en el que tesoros largamente ocultos en las profundidades del monasterio salen a la luz y se procesan sistemáticamente mediante tecnología de vanguardia. El responsable del proyecto es John Anderson. Las posibilidades que ofrece la IA le parecen "fascinantes y, a la vez, escalofriantes", afirma. En el caso de los Archivos de Solesmes, la inteligencia técnica está ayudando a realizar una tarea que, de otro modo, sería sobrehumana. "Este monasterio es el único lugar del mundo con tal densidad de material de la Edad Media", afirma Anderson.

Todas estas transcripciones se están transcribiendo mediante IA para que estén disponibles como material digital para musicólogos de todo el mundo en el futuro y para su interpretación en conciertos. Sin embargo, sin la intervención y la inteligencia humana, casi nada funciona. Por ello, inicialmente, los musicólogos transcribieron los manuscritos a mano para disponer de suficiente material de entrenamiento para la IA.

Sobre esta base, la IA fue entrenada para traducir los manuscritos antiguos a partituras digitales. Una tarea sumamente compleja, plagada de errores. «El 80 % del material transcrito de esta manera es correcto», afirma Anderson. La finalización y corrección de errores deben ser realizadas nuevamente por investigadores. De esta manera, humanos y máquinas trabajan juntos para traer valiosas composiciones del pasado al presente. «Todo lo que tenemos hoy se basa en esta música», afirma Anderson. El canto gregoriano es el origen, y en cuanto uno se involucra y redescubre música que, a veces, tiene más de mil años, obtiene una comprensión fundamentalmente diferente del significado del tiempo y el ritmo.

En definitiva, la música está destinada a conmover a las personas, y nadie puede hacerlo con mayor intensidad que las propias personas. La digitalización y el creciente uso de la IA parecen no tener ningún efecto en este sentido. En algunos casos, ocurre lo contrario; después de todo, las tecnologías digitales han hecho posible la difusión de música a nivel mundial sin una pérdida significativa de calidad. Olaf Maninger, violonchelista y director de medios de la Filarmónica de Berlín desde 1994, lo experimentó en primera persona. La principal orquesta de Alemania siempre ha sido experta en tecnología, lo cual influyó mucho en la formación de Karajan como director. Cuando en la década de 1990 se volvió cada vez más difícil conseguir una grabación o un espacio de difusión para una obra sinfónica, Maninger tuvo una idea.

"En aquel entonces, queríamos diseñar una red de seguridad que nos hiciera independientes de las discográficas y las emisoras. Y entonces llegó internet", explica Maninger. Su visión: todos los conciertos de la Filarmónica de Berlín se retransmitirían a nivel mundial y estarían disponibles en cualquier momento en un archivo. Lo que hoy parece obvio, en aquel entonces, muchos lo consideraban una locura; al fin y al cabo, no existían ni teléfonos inteligentes ni aplicaciones. "Pero estaba claro que internet tenía un potencial increíble. Así que simplemente empezamos con la esperanza de que la tecnología nos alcanzara", dice Maninger.

Con el apoyo de un importante banco, el equipo técnico instaló la tecnología de grabación adecuada en la Filarmónica de Berlín y puso en marcha el proyecto piloto. Hoy en día, los conciertos de la orquesta de élite están disponibles con una excelente calidad de grabación en todos los dispositivos, y la Sala de Conciertos Digital resultante es, con diferencia, la plataforma de streaming más exitosa en el sector de los conciertos de música clásica. Ahora es completamente autosuficiente.

La vida y la obra de la Filarmónica de Berlín han cambiado drásticamente gracias a la nueva dimensión mediática, para mejor, como afirma Maninger. «Los conciertos en vivo son nuestra seña de identidad y permanecerán para siempre en nuestros archivos. Esto nos hace sentir una responsabilidad aún mayor como músicos». Saber que, además de las 2400 personas en la sala, hasta 15 000 personas de todo el mundo escuchan sus interpretaciones en vivo les da un impulso increíble al tocar.

Desde la creación de la Sala de Conciertos Digital, los aficionados de todo el mundo no solo han seguido los eventos de la Filarmónica de Berlín, sino que también han desarrollado un vínculo con la orquesta. «Cuando asisten a nuestros conciertos en Nueva York o Tokio, ya forman parte de la familia», afirma Maninger. El hecho de que la gente siga asistiendo a las actuaciones a pesar de la excelente retransmisión no sorprende en absoluto al músico. «En una noche como esta, se produce una increíble interacción de energías. La sala vibra de tensión, emoción y anticipación; entonces, los músicos se sumergen en esa atmósfera, y puede darse uno de esos ansiados momentos mágicos», concluye Maninger. La emoción del momento en directo es simplemente irremplazable.