Ein Punk auf der Art Basel. Jacopo Benassis Wendungen

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„Bitte zitieren Sie Sergio Fregoso. Das ist mir wichtig.“ Das ist Jacopo Benassis einzige Bitte, denn er nutzt in einem Interview jede Gelegenheit, den Fotografen aus La Spezia zu erwähnen, den er als seinen Mentor betrachtet. „Er hat mir nicht nur das Fotografieren beigebracht“, erklärt er, „sondern auch das Schauen.“ Er spricht über La Spezia in den 1980er Jahren, als er häufig das Gemeindezentrum Kronstadt besuchte und Fregoso ihn in die Welt der Amateurfotografie einführte, allerdings mit einer „viel intellektuelleren Perspektive. Er war derjenige, der mich mit Ando Gilardi bekannt machte…“

Auf der Website des Sergio Fregoso Archivs sticht ein schwarzer Text auf weißem Grund hervor, dessen visuelle Wirkung fast gedämpft wirkt: „Ich möchte die Luft der Heimat, den Geruch meiner Stadt nicht abschütteln. Augenblick für Augenblick, ohne Unterlass, möchte ich alles auf meinem Film festhalten, der meine Haut, meine empfindliche Oberfläche ist.“ Betrachtet man die Fotografien dieses 1927 im Arbeiterviertel Umberto I von La Spezia geborenen Mannes, eines der Gründer der Gruppe AV 70, die die Sprache der Bilder in Schulen und die Vororte der Stadt brachte, sieht man sich mit flachen Farbbildern konfrontiert, meist von Fenstern. Nichts könnte Benassis Poetik ferner liegen. Dennoch gibt es kein Interview ohne diese Bitte: „Bitte zitieren Sie ihn.“

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Jacopo Benassi. Auch er wurde 1970 in La Spezia geboren. Letztes Jahr kürte ihn das Online-Magazin Artribune zum „Künstler des Jahres“ (Anmerkung: Künstler, nicht Fotograf). Massimo Minini, der Kardinal der italienischen Galeristen, nahm ihn im Juni mit ins Epizentrum des zeitgenössischen Kunstsystems: zur Art Basel, der wichtigsten Messe der Welt. Nicht schlecht für jemanden mit einer turbulenten punkigen, anarchistischen und ungehorsamen Vergangenheit . (Er gesteht: „Heute muss ich fast lachen, wenn ich sage, ich sei gegen den Strom geschwommen. Doch tief im Inneren bin ich noch immer gegen Ignoranz und Banalität.“)

Ich treffe Benassi in einem Raum im Erdgeschoss des Palazzo Ducale in Genua. Im Juni hat er sein Atelier dorthin verlegt und arbeitet dort dank eines von Blu-Breeding and Learning Unit organisierten und durch Ministerialmittel der Strategia Fotografia ermöglichten Aufenthalts. In diesen Tagen schuf er den Kern der Werke, die die Ausstellung „Jacopo Benassi. Libero!“ abschließen, kuratiert von Francesco Zanot, die bis zum 14. September im Palazzo Ducale zu sehen ist. Wir treffen uns zunächst an der Bar. Schwarze Hose und T-Shirt. Plastikpantoffeln mit horizontalen weißen Streifen. Mit ihm ist Khan, ein schlaksiger Musiker aus Berlin, halb Türke, halb Finne, der ein T-Shirt mit der Aufschrift „Beuys Beuys Beuys“ trägt. Eine doppelte Hommage an den schamanischen deutschen Künstler und an den unvergesslichen Hit unserer Nationalsängerin Sabrina Salerno. Am Abend ist eine der musikalischen Darbietungen geplant, die Benassis Schaffen seit Jahren prägen. Er beginnt seine Geschichte am Anfang seiner Reise. Seine Berufe, seine Musik, sein politisches Engagement. Er zeichnet, malt und fotografiert. Er arbeitet als Mechaniker . Sein Freund Renzo „Benzo“ Davetti, Frontmann der Punkband Fall Out, vertraut ihm eines Tages an: „Man kann Kunst machen, auch wenn man Arbeiter ist.“ 1989 organisiert das Kronstadt eine Ausstellung des Kollektivs „Barbarian Arteries“. Auch er ist dabei: „Wir waren Ausreißer.“ Zu diesem Anlass stellt er ein anderthalb mal zwei Meter großes Gemälde aus, das eine von großen Mistgabeln durchbohrte Kreuzabnahme Christi im Caravaggio-Stil zeigt, „etwas absichtlich Blasphemisch. Obwohl meine Mutter, eine überzeugte Katholikin, es nahm und in ihrem Schlafzimmer aufhängte.“

Der erste Wendepunkt, oder einer der vielen Neuanfänge des Künstlers, ereignete sich 1996. Es war das Jahr seines Coming-outs, in dem er sich öffentlich zu seiner Homosexualität bekannte und sein „normales Licht“ fand: das des Blitzes, der zu seinem Markenzeichen wurde. „Vielleicht war es Zufall, aber es geschah in denselben Wochen und markierte das Ende eines verdrängten Albtraums. Eines Tages ging ich zu einem Freund, bemerkte dieses Licht und erkannte, dass es meins war. Seitdem kann ich meine Bilder nicht mehr ohne Blitz betrachten . Das ist ein großes Opfer in der Fotografie, denn es bedeutet, auf schöne Bilder zu verzichten. Man kann den Himmel nicht mehr fotografieren, man kann keine Situationen mit zu vielen Menschen einfangen, sonst wird die Person davor ausgebrannt und die scharfen Schatten verdecken die Person dahinter. Der Blitz verflacht alles .“ Mit dem Aufkommen der Digitalfotografie wurden Benassis Bilder dann aus rein chromatischen Gründen dauerhaft schwarz-weiß. „Mit Farbe konnte ich das Gefühl der Flächigkeit, das ich suchte, nicht erreichen.“

Seine verzerrten, groben Bilder, meist von Körpern, brachten ihn 2002 nach Mailand, wo er zahlreiche redaktionelle Arbeiten produzierte. Er veröffentlichte in GQ und Rolling Stone. Doch nach vier Jahren merkte er, dass etwas nicht stimmte: „Meine Fotos wurden ‚schön‘. Ich suchte nach dem richtigen Winkel. Ich benutzte teure Objektive. Ich gab den Blitz auf. Einige meiner Bilder ähnelten allmählich denen von Gabriele Basilico. Ich war auf dem Weg zum Ziel. Eines Tages sagten sie mir, ich solle meine Arbeiten der Vogue zeigen. Aber ich ging nie zur Vogue. Ich kehrte nach La Spezia zurück und eröffnete mit ein paar Freunden eine Bar.“

Btomic ist ein Club mit Punk-Seele. Experimentell. Es wird Musik gespielt, getrunken, T-Shirts und Fanzines gedruckt. Abblätternde Wände, eine unkonventionelle Atmosphäre. Hier betritt Benassi zum ersten Mal die Bühne. Er tut dies, indem er spielt, doch die Kamera bestimmt die Dramaturgie. Die Performance soll fotografiert werden, bleibt aber ein Ereignis für sich. Der Künstler blitzt das Publikum an und fordert die Zuschauer auf, dasselbe zu tun. „Ich bin kein Schauspieler, kein Musiker, kein Tänzer. Ich habe angefangen, weil ich das Gefühl hatte, ich müsste. Es gibt keine Dramaturgie, es ist fast alles Improvisation. Ich denke ein bisschen an Fluxus, an das Zerbrechen der Partitur, von dem Giuseppe Chiari spricht . Erst danach entscheide ich, ob und wie ich die Bilder verwende, die ich in diesen Momenten schaffe.“

Doch erst nach 2020 nahm Benassis Schaffen eine unumkehrbare Wendung, die ihn dorthin brachte, wo er heute ist. „Im Leica-Raum in Mailand habe ich zum ersten Mal Glas geschnitten. Ich verließ die Fotografie; dieser Tempel der Amateurfotografie gab mir die Möglichkeit, in eine zeitgenössische Welt einzutauchen. Es ist wie eine fast malerische Geste, fast eine Hommage an Fontana, in das entstehende Bild hineinzublicken.“ Von da an nahm seine Karriere ihren Höhepunkt: Museo Pecci in Prato, Fondazione Carispezia, GAM in Turin, Galleria Minini in Mailand und Mai36 Galerie in Zürich. Benassi erweiterte seine Sprache: Er schrieb auf Wände, brannte Rahmen, montierte Fotografien mit Industriegurten, sammelte Objekte und schuf Skulpturen. Eine Ästhetik, die manchmal an den Do-it-yourself-Ansatz des Schweizer Künstlers Thomas Hirschhorn erinnert, der Skulpturen aus braunem Klebeband schuf. „Mir ist klar geworden, dass ich ein unvollkommener Mensch bin, also arbeite ich an der Unvollkommenheit.“ Ob beim Fotografieren, mit meinen Pinseln, bei allem, sogar bei der Performance, ich lasse los, wer ich wirklich bin. Ich versuche nicht, mich zu perfektionieren, denn dazu wäre ich nicht in der Lage. Ich habe mich perfektioniert, und jetzt bin ich der Mensch, der am meisten Fehler macht.

In dieser Zeit starb seine Mutter. Benassi musste das Haus seiner Eltern ausräumen und erinnerte sich beim Packen an seine Kindheit. Die guten und die schlechten Zeiten. Er fand seine Zeugnisse: „Sie sagten, ich sei intelligent, aber leicht abzulenken. Da verstand ich, wer ich bin. Warum ich so bin, bis heute. Ich verliere schnell die Konzentration. Das ist ein Charakterzug. Meine Unvollkommenheit.“ Als er das Schlafzimmer seiner Eltern betrat, fand er sein Jugendbild, das der Kreuzabnahme. Er nahm es ab und sah den Schatten, den die Leinwand an der Wand hinterlassen hatte, wie den Abdruck des Grabtuchs. Er fotografierte ihn. Das Bild dieser schmutzigen Wand wurde zu einer Accrochage zusammengesetzt, die das Werk des „Gegabelten Christus“ fast vollständig verdeckte. Zu ihr gehörte auch ein Foto des Nachttischs, neben dem sein Vater schlief. Dieser weist noch immer die Brandflecken von Zigaretten auf, die er vor dem Einschlafen vergessen hatte anzuzünden. Ein sakrales Werk, das dieses Jahr auch im Diözesanmuseum Mailand als Kontrapunkt zu Tintorettos Kreuzabnahme ausgestellt ist. Eine Meditation über Zuneigung, Intimität, Trauer und Erinnerung. Denn, wie Baustelle singt: „Die Zeit entgleitet uns / Doch die Spur der Zeit bleibt.“

„Es stand geschrieben, ich sei intelligent, aber leicht abzulenken. Und da habe ich verstanden, wer ich bin. Denn so bin ich auch heute noch. Ich verliere schnell die Konzentration. Das ist mein Charakterzug. Meine Unvollkommenheit.“

Die Ausstellung in Genua ist voller Schmetterlingsfotos. Das Porträt einer Kuh. Ein Hummer. Ein Affe. Totenköpfe. Hausschuhe. So viele Hausschuhe. An dem Nachmittag, als ich an seinem temporären Atelier im Palazzo Ducale vorbeigehe, erhält Benassi ein Paket mit einem Paar Designer-PlayStations. Er reagiert, als hätte er ein wertvolles Geschenk erhalten. Ich frage ihn, was sie ihm bedeuten: „Sie sind meine Obsession. Als ich sie als Kind sah, wurde mir klar, dass ich schwul bin, und jahrelang habe ich sie nicht benutzt – ich habe sogar mit Socken geduscht – aus Angst, enttarnt zu werden. Sie waren etwas so Intimes, mit Nacktheit verbunden, dass ich Angst hatte, sie zu zeigen. Jetzt habe ich sie verarbeitet und integriere sie in meine Arbeit wie meine intimsten Porträts und verwandle diese Angst in Kunst.“

Die Ausstellung entfaltet sich anhand von Sammlungen gerahmter Fotografien, deren Motive in einen formalen und inhaltlichen Dialog treten, sozusagen in „visuellen Reimen“. Auffällig an der Ausstellung in Genua ist jedoch der Raum, den die Malerei einnimmt – ein Thema, zu dem Benassi zurückgekehrt ist. „Ich begann zu malen wie ein Fotojournalist, schnell und unvollkommen, weil mir die Geduld für eingehende Studien fehlte. Dadurch konnte ich mich von der traditionellen Fotografie lösen. Ich male aus tiefer Freude und schaffe Werke über meine Stadt, in denen der Mensch nicht mehr existiert, um der Menschheit eine neue Chance zu geben, indem ich der Natur erlaube, sich den Raum zurückzuerobern.“ Die meisten Werke werden auf dem Boden ausgestellt, als käme der Besucher am Tag vor der Eröffnung. Fast eine Einladung, an dem Zustand der Vergänglichkeit teilzuhaben, der Benassis gesamtes Werk durchdringt.

Ein weiteres wiederkehrendes Thema sind Rosendornen . Wir sehen sie fotografiert, aber auch in Form von Skulpturen, die neben den Bildern existieren. Benassi erklärt: „Heute sind Dornen meine Verteidigung, eine Mauer, die ich errichte, eine wahre politische Barrikade, die mich schützt und mich gleichzeitig zwingt, darauf zu achten, mich nicht zu verletzen. In meiner Arbeit symbolisieren sie die Rosen, die sich nicht manifestieren, die Blumen, die für Pazifisten und gegen den Krieg streiken, ein Spiegelbild der brennenden Welt. Sie sind ein tiefgründiges Porträt dessen, wer ich heute bin, eine Mischung aus Härte und Freude.“

„Heute sind Dornen meine Verteidigung, eine Mauer, die ich errichte, eine echte politische Barrikade, die mich schützt, mich aber gleichzeitig zwingt, darauf zu achten, mich nicht zu verletzen.“

Und vielleicht ist dies der Schlüssel zum Verständnis von Benassis gesamtem Werk: die Gegenüberstellung von Gegensätzen. Wobei Strenge/Humor nur eine Deklination dieser Ambivalenz ist. Bei näherer Betrachtung verbirgt sich hinter dem visuellen Zwölftonrauschen (den schlecht gemachten Rahmen, dem Tesafilm, den zufälligen Pinselstrichen, den Lehmhaufen) ein starker, strenger, klassischer Geschmack. Ein typischer Punk-Ansatz: Im England der späten 1970er Jahre waren die Sex Pistols lediglich die Kehrseite von Königin Elisabeth II. Ästhetisch gesehen hätte es Sid Vicious und seine Freunde ohne die Makellosigkeit des Königshauses nicht gegeben . Und wohl auch das Gegenteil war der Fall.

Benassis Ausstellung endet mit einem labyrinthartigen Gang voller Skulpturen, teils obszön selbstironischer Objekte und Schriften, die die unsystematische und chaotische Arbeitsweise der Genueser Residenz widerspiegeln. Nach dem Verlassen des Tunnels gelangen wir in die Badezimmer des Museums, wo Benassi Werke ausstellt, die er für die Villa Croce, das unglückselige Museum für zeitgenössische Kunst der Stadt, geschaffen hat. Es sind Fotografien von Gemälden des Künstlers, die Schnittblumen, zerzauste Blätter und den Himmel aus dem Garten der Villa zeigen. „Ich finde es ironisch und befreiend, Himmel zu malen und sie dann mit Blitzlicht zu fotografieren, was zum Nachdenken über das anregt, was sich hinter einem Bild verbirgt. Heute fühle ich mich frei von jeglichem Rahmen, den mir die Fotografie auferlegt, und dieses Gemälde ist eine kontinuierliche Weiterentwicklung meiner Sprache.“ Benassi ist der klassische Fall, der Fotografie-Puristen in den Wahnsinn treibt. Es ist das ewige Derby, das seit dem frühen 20. Jahrhundert zwischen Piktorialisten und Modernisten ausgetragen wird. Erstere winkten der figurativen Kunst zu, als sei Fotografie an sich nicht Kunst genug, während Letztere das Potenzial des Mediums, in seiner eigenen Spezifität Kunst zu sein, betonten und sich damit selbst zur Isolation und Marginalisierung verurteilten. Benassi hat sich für die Seite der Ersteren entschieden. Doch wie alle vernünftigen Menschen weiß er, dass Schemata die Intelligenz töten. Und vor dem Palazzo Ducale schrieb er mit roter Sprühfarbe einen herrlich zweideutigen Satz: „Benassi gegen die Verurteilung der Fotografie.“

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