„Tanz ist die körperliche Erfahrung, die wir im Zeitalter der KI brauchen.“

María José Cifuentes (geb. 1980 in Santiago, Chile) zieht von ihrem Heimatland Chile nach Barcelona, um im September dieses Jahres die Leitung des Mercat de les Flors zu übernehmen und Àngels Margarit zu ersetzen. Die Tanzhistorikerin, Kulturmanagerin und Forscherin kennt die Kompanie seit 15 Jahren. Als Forscherin im Bereich der darstellenden Künste führte sie vor 15 Jahren Interviews mit Künstlern, die ihre Stücke im Mercat uraufführten. Im Laufe der Zeit wurde sie zur Programmgestalterin, begleitete Artists in Residence im Graner – dem Kreativzentrum des Mercat – und nahm an MOV-S teil, einem Raum für internationalen Tanzaustausch, der von Cesc Casadesús, dem ehemaligen Direktor des Zentrums, organisiert wird. So konnte sie die Entwicklung vieler heute etablierter Künstler miterleben, von Marcos Morau über Marina Mascarell bis hin zu El Conde de Torrefiel.

Es war ein Knotenpunkt, der Barcelona mit Lateinamerika verband.

Ja, ich war tatsächlich Mitglied der internationalen Jury, die Àngels Margarit ernannt hat. Ich kenne die institutionelle DNA und auch die Graner-Koordinatoren der letzten Jahre. Ich habe Künstler wie Pere Faura und Aimar Pérez Gali nach Chile gebracht. Und ich habe intensiv mit Sonia Gómez, Societat Doctor Alonso, Mal Pelo, Roser López, Guy Nader und Maria Campos zusammengearbeitet... Es war ein ständiger Prozess, den katalanischen Kontext, sein vielfältiges Ökosystem, zu beobachten und zu verstehen, auch mit Blick auf andere Orte: Mich interessiert, was in Andalusien und Valencia passiert; ich habe jahrelange Beziehungen zu Spanien.

Die Mission des Tanzes hat heute mit kulturellen Rechten und gutem Leben zu tun.

Wohin entwickelt sich der Tanz in Europa aus Ihrer Sicht?

Es sind schwierige Zeiten für die Menschheit. Wir befinden uns in einer gesellschaftlichen Krise, einer politischen Krise … Der Körper ist, insbesondere nach der Pandemie, in den Hintergrund gerückt. Tanz hat heute eine Mission, die über die Bühne hinausgeht; es geht um kulturelle Rechte, um ein gutes Leben, die Beziehung zum Körper und um psychische Gesundheit. Die Herausforderung besteht darin, die künstlerische Programmgestaltung mit diesem Raum des Genusses, des Vergnügens, der Möglichkeit, unglaubliche Dinge zu sehen, in Einklang zu bringen und Forschungsprozesse zu identifizieren, die uns zu einer Vision eines umfassenderen Tanzes führen. Wir haben uns stark vom Körper entfremdet, und persönliche Auftritte bieten eine enorme Chance. Wenn die Technologie mit künstlicher Intelligenz diese schockierenden Wendungen nimmt, bei denen wir uns nicht mehr von unseren Handys trennen können, bin ich der Meinung, dass die darstellenden Künste und insbesondere der Tanz uns die körperliche, somatische Erfahrung ermöglichen, die wir brauchen. Und dafür müssen wir eine starke Verbindung zum Publikum aufbauen.

KI ist kannibalisch, sie kann einen nicht mehr existierenden Mythos wie Merce Cunningham weiterleben lassen …

Das passiert bereits. Aber diese Werkzeuge müssen intelligent und liebevoll eingesetzt werden. Ich glaube, dass KI aus der Perspektive des choreografischen Erbes und der Verbindung von überlieferter Weisheit mit der Gegenwart ein kraftvoller Raum ist. Mit dem Aufkommen des Kinos dachten wir, das Theater würde aufhören zu existieren, und plötzlich spüre ich, dass Tanz diese Kraft der Verbindung mit Körperlichkeit, mit Präsenz, mit Echtzeit in Aktion hat, die eine große Kraft entfalten wird.

Ist die Öffentlichkeit in Chile unterschiedlich?

In Chile ist die Wirtschaft der darstellenden Künste noch immer stark von den Einnahmen an den Kinokassen abhängig. Das erfordert ein vielfältiges Programm mit einem stärker kommerziellen Fokus. Experimentelle Programme werden in großen Veranstaltungsorten zunehmend vernachlässigt. Die Herausforderung besteht darin, den Bedarf an vielfältigen Erlebnissen zu decken; Europa ist hier führend.

„Nationale Einrichtungen müssen ihr Versprechen durch Tanz erneuern.“

Wird es ein kontinuierlicher Mercat sein?

Dieser chilenische Künstler kommt nicht, um Neuland zu betreten oder in einer Kompanie, die traditionell kreatives Schaffen und Internationalisierung fördert, bei Null anzufangen. Wichtig ist, wie wir unser Publikum verstehen. Ich interessiere mich für die Arbeit mit Analysen, mit der Logik von Studium, Wirkung, Interessen und Fokus. Und ich möchte meine Bildungsprogramme fortsetzen, denn die Kunst hat eine interessante pädagogische Wendung genommen, und wir müssen den Tanz nicht nur über Vermittler, sondern auch über Künstler einbeziehen.

Das Publikum in Barcelona kann mit den großen Kreationen, die sich zusammenbrauen, nicht mithalten: Es herrscht eine Spaltung zwischen dem Tanz, den ein Opernhaus (wenig) kauft, und dem, der auf einem Mercat zu sehen ist und experimenteller ist.

Das Haus für zeitgenössischen Tanz hat eine klare Mission für den Tanzsektor und das Ökosystem, aber mir ist aufgefallen, dass diese an anderen Veranstaltungsorten in Barcelona und Katalonien vernachlässigt wird. Große Formate sind seit einiger Zeit aufgrund unserer Wirtschaftslage gefährdet und weil wir auch der Logik der Hyperproduktivität verfallen sind, bei der dasselbe Stück nur eine kurze Lebensdauer hat. Es ist schwierig, künstlerisches Schaffen aufrechtzuerhalten, ohne diese Verbreitungsfelder aufrechterhalten zu können. Das ist die Herausforderung, denn von verschiedenen Veranstaltungsorten aus könnten wir mehr dieser großen Stücke, die für das Publikum interessant sein könnten, bringen und kreieren. Und diese Verbindung zum Rest Europas herstellen. Teil meiner Mission ist es, den katalanischen Tanz auf mehr Bühnen, Biennalen und Festivals zu präsentieren. Und bestimmten Namen eine Bühne zu geben, die die lokale Szene positiv beeinflussen (mal sehen, ob die Wirtschaft es zulässt). Nationale Veranstaltungsorte müssen ihr Bekenntnis zum Tanz erneuern.

Große Formate stellen eine Gefahr für unsere Volkswirtschaften dar, auch weil wir der Logik der Hyperproduktivität verfallen sind.

Welche Vorteile sehen Sie darin, dass der Mercat im Bau ist?

Es ist eine potenzielle Gelegenheit, das Haus neu zu denken, unsere Arbeit mit internationalem Tanz neu zu gestalten. Cesc und Àngels haben großartige Arbeit geleistet: er mit dem Publikum, sie mit dem katalanischen Tanz und unterstützende Kompanien. Das wird sich fortsetzen, ebenso wie der institutionelle Rahmen.

Die Verwaltungen betrachten den Tanz als arme Schwester. Sie stellen ihm nur wenig Geld zur Verfügung. Daher löst jede Initiative zur Gründung eines Nationalballetts in der Branche Rebellion aus, aus Angst, noch weniger Geld zu erhalten.

Tanz bewegt tatsächlich Massen; die Arbeit mit dem Körper erleichtert die Sprache. Es ist schade, dass er immer noch als arme Schwester angesehen wird. Aber ich denke, das Ökosystem hat sich diversifiziert, und es ist auch für Regierungen und Kommunen schwierig, diese Vielfalt zu verstehen. Die Öffentlichkeit versteht sie manchmal besser als wir; sie ist offen dafür, zu verstehen, dass es vielfältig ist und dass es vielleicht unglaubliche und enorme Dinge gibt, aber auch andere kleine, die super cool sind. Der Diskurs dreht sich darum, wie wir die Kreativität erhalten, anstatt sie zu gefährden. Der Mercat kann eine führende Rolle spielen und eine Brücke bilden, aber es braucht auch ein nationales Engagement. Katalonien muss sich hier stärker engagieren. Ich denke, das ist eine Herausforderung. Wenn wir uns Beispiele wie Frankreich ansehen, sollte das Modell der Choreografiezentren weltweit nachgeahmt werden. Es ist traurig, dass der Tanz im Rest Europas, sogar in Lateinamerika, diese kreativen Räume nicht hat. Denn das Theater bietet zwar viele Räume, in denen wir produzieren und kreieren können, aber ein spezialisiertes Choreografiezentrum ist etwas ganz Besonderes. Ich glaube, dass in Katalonien und auch in Spanien der Mercat der Maßstab ist, der es geschafft hat, den Tanz am Leben zu erhalten. Allerdings gibt es kaum politische Maßnahmen, die sich um die Funktion des Tanzes selbst kümmern. Es ginge darum, das zu ändern und in den übrigen Regionen mehr choreografische Zentren und Tanzhäuser zu schaffen.

Wird die choreografische Arbeit ohne diese Zentren verwässert?

Ja, denn da wir nicht in der Lage sind, innerhalb der Logik choreografischer Komposition zu arbeiten, haben wir meiner Meinung nach die Rolle des Choreografen weitgehend verloren. Und da wir uns ebenfalls in dieser Logik der Reproduktion befinden und ständig produzieren müssen, kommt der Regie eine grundlegende, fast visuelle Rolle zu. Deshalb spreche ich von der Wiederanknüpfung an das Erbe. Und davon, dass es Bewegungen gibt, die Gefahr laufen, verdrängt zu werden; dass wir bestimmte Dinge nicht mehr tun, weil Trends auftauchen, weil sich das verkauft, was sich verkauft. Es wäre wichtig, darüber nachzudenken, wie wir heute kreieren und wie die performative Wende in der Kunst uns an einen anderen Ort gebracht hat. Überlegen Sie, wie wir die choreografische Logik wiederentdecken können.

Gibt es irgendwelche Wünsche, irgendwelche Künstler, die Sie unbedingt zum Mercat mitbringen möchten?

Da gibt es viele, aber ich freue mich besonders darauf, Marlene Montero Freitas zu sehen und zu sehen, wie sie in den Mercat passt. Da ich aus der Geschichtswissenschaft komme, würde ich gerne Stücke neu auflegen und bestimmte ikonische Shows oder Projekte wiederbeleben. Wir erinnern uns auch gerne an unsere früheren Vorgehensweisen. Ich fände eine Zusammenarbeit zwischen Sasha Waltz und lokalen Künstlern interessant, da sie diese Projekte nun wieder aufgreifen und die architektonischen Räume der Stadt nutzen möchte.