Julia Margaret Cameron in mostra al Teatro Real

▲ L'addio di Sir Lancillotto e della regina Ginevra (1874), di Julia Margaret Cameron. Foto ©PhotoEspaña e ©Javier del Real/Teatro Real

▲ Una sua foto adattata per il Teatro Real di Madrid. Foto ©PhotoEspaña e ©Javier del Real/Teatro Real

Armando G. Tejeda

Corrispondente

La Jornada, giovedì 17 luglio 2025, pag. 3

Madrid. Julia Margaret Cameron si è affermata come una delle fotografe più importanti del XIX secolo, nonostante abbia iniziato la sua carriera a 48 anni, quando sua figlia le regalò una macchina fotografica. Nell'ambito del festival PhotoEspaña, il Teatro Real di Madrid espone una serie di immagini da lei create e scattate, ispirate alle opere letterarie di William Shakespeare. Cameron è stata una pioniera del ritratto fotografico e un'antesignana dell'uso delle immagini come rappresentazione poetica e teatrale.

Il Teatro Real ha inaugurato una stagione dedicata alle opere più popolari di Shakespeare, con quattro opere e un balletto: The Faerie Queene di Henry Purcell; Otello di Giuseppe Verdi; Romeo e Giulietta di Charles Gounod; Sogno di una notte di mezza estate di Benjamin Britten; e lo spettacolo di danza Giulietta e Romeo del Balletto reale svedese.

Cameron nacque a Calcutta nel 1815 e morì a Kalutara, in Sri Lanka, nel 1879. La mostra riunisce un'accurata selezione di opere provenienti dal suo archivio, molte delle quali direttamente ispirate al mondo shakespeariano, come era consuetudine nelle avanguardie britanniche dell'epoca. Le immagini raffigurano scene tipiche del periodo, sebbene l'artista abbia ritratto anche celebri intellettuali come Charles Darwin e Lord Tennyson, oltre a personaggi anonimi del suo ambiente familiare.

"La mostra celebra l'eredità artistica di una donna visionaria, pioniera della fotografia di scena e una delle prime ad affermare la fotografia come disciplina artistica a sé stante. Cameron intreccia un dialogo allegorico con la letteratura, il Rinascimento e l'immaginario biblico, creando scenari in cui i grandi temi della storia umana – bellezza, tragedia, amore, verità – sono magistralmente espressi attraverso la luce, i gesti e gli sguardi", ha spiegato Joan Matabosch, direttrice artistica del Teatro Real, durante la presentazione.

María Santoyo, direttrice di PhotoEspaña, ha spiegato che "lo stile di Cameron rompeva con i canoni tecnici del suo tempo, e la mancanza di nitidezza, l'effetto sfocato e le sbavature delle dita sono segni distintivi del suo lavoro, rendendolo un precursore dei tempi e anticipando il pittorialismo fotografico stesso. La difesa dell'estetica sulla tecnica, della poesia sul reale, sono una manifestazione della sua visione, che privilegia la creazione artistica come prassi fotografica rispetto alla tendenza dominante della fotografia documentaria".

L'opera di Cameron è sopravvissuta nonostante il disprezzo di molti suoi contemporanei e si è affermata come una delle più influenti del XIX secolo. Vale la pena sottolineare che "l'intensità e l'emotività scenica presenti nelle immagini fotografiche di Julia Margaret Cameron, la sua sensibilità, la sua capacità di catturare l'etereo, il suo gusto per la bellezza, i suoi ritratti quasi iconografici, la cui aura a volte rasenta il sacro – contrapponendo la drammaticità delle pose alla semplicità degli oggetti di scena – rendono quest'artista un'interlocutrice eterna con il teatro, la musica e la poesia, degna di essere costantemente rivisitata", ha spiegato Sylvia Edvinsson, direttrice del British Council Spagna, che ha collaborato alla mostra.

▲ Nan Dix , una litografia di Gabriela Morac inclusa nella mostra "Pietra e Immagine: Opere di La Buena Impresión" , che inaugura il 25 allo IAGO. Foto per gentile concessione di La Buena Impresión.

Buoni MacMasters

La Jornada, giovedì 17 luglio 2025, pag. 4

L'obiettivo della collezione di La Buena Impresión è quello di offrire uno sguardo sull'arte contemporanea in Messico, afferma Fernando Aceves Humana, cofondatore del laboratorio litografico di Oaxaca nel 2019. In Piedra e imagen: Obra de La Buena Impresión , una mostra di 65 opere che inaugurerà il 25 presso l'Istituto di Arti Grafiche di Oaxaca (IAGO), verrà proposta una selezione di un centinaio di artisti di ogni dimensione, dai più rinomati a quelli alle prime armi, che hanno partecipato al laboratorio situato nel centro storico della capitale di Oaxaca.

Il laboratorio ricevette un notevole impulso da Francisco Castro Leñero (1954-2022), uno dei suoi fondatori, ricorda Aceves Humana. La Buena Impresión è la continuazione del progetto di incisione concepito per la Cambogia, paese in cui intendevano portare una macchina da stampa. Tuttavia, non essendo state soddisfatte le condizioni, questo progetto fu portato a termine da Daniel Barraza, Castro Leñero, il Dott. Lakra, María Miranda e Guillermo Ramírez Orduña, che si erano formati lì. Così, il laboratorio di Oaxaca nacque dalla donazione di una macchina litografica elettrica Voirin del 1909 da parte degli artisti e stampatori francesi Julie Gerbaud e Patrick Devreux.

Quando il laboratorio è stato fondato, l'idea era quella di espandere l'industria della stampa nello stato per includere le comunità rurali e urbane, offrendo corsi e supportando gli incisori emergenti nell'apertura dei propri laboratori. Attualmente operiamo a Santo Domingo Yanhuitlán, dove abbiamo allestito un laboratorio di litografia indipendente e permanente gestito dai giovani della comunità. Abbiamo installato una macchina da stampa che un donatore ci ha aiutato a riparare .

Dopo cinque anni di insegnamento in città insieme all'architetto Pedro Pizarro, Pizarro lo informò di un precedente litografico: "C'è una pietra che appartiene alla comunità, su cui è raffigurato Cristo, il Signore di Ayuxi. Fu commissionata tra il 1850 e il 1880; fu realizzata da un certo signor Santana, disegnatore/stampatore, ma gli abitanti la possedevano da allora perché decisero di acquistarla; era piaciuta molto. Per un certo periodo andò perduta, anche se, grazie al progetto, Daniel Barraza la restaurò e ne furono realizzate e vendute delle ristampe nella comunità. A Yanhuitlán, la tradizione dei disegnatori ha origini antichissime: il Codice Yanhuitlán ha origine lì. Questo grazie al Museo Comunitario Rastros y Rostros (Museo Comunitario Tracce e Volti) (fondato nel 2014). Pizarro e il Proyecto Yivy ne hanno promosso notevolmente la diffusione".

Presse che creano comunità

Attualmente, Aceves Humana tiene lezioni a Pluma Hidalgo, il centro della regione di coltivazione del caffè: è molto montuosa e ci sono molti paesaggi da dipingere. Stiamo cercando di fondare una scuola lì, sperando che uno dei nostri studenti diventi un artista riconosciuto. Le macchine da stampa creano una comunità, ed è per questo che promuoviamo sempre l'incisione per incoraggiare gli studenti ad avviare un laboratorio .

Un altro obiettivo è stato quello di attrarre artisti a lavorare presso La Buena Impresión. Alcuni studenti della Columbia University sono venuti a formarsi con noi. Abbiamo appena concluso un'edizione per il Museum of Contemporary Art di Cleveland, che ha commissionato un'opera all'artista americano Nicola López. Sono stato invitato a tenere una conferenza all'Università di Austin. Jean Pierre Tanguy, curatore della 21a edizione della Biennale di Sarcelles in Francia, mi ha invitato a co-curare la mostra. La Buena Impresión si è riunita e ha organizzato la presentazione delle opere di 20 artisti selezionati, tra cui Saúl Villa e Sergio Hernández. Il laboratorio sta diventando un centro di formazione e specializzazione in litografia .

Aceves Humana esprime la sua soddisfazione per la mostra tenutasi presso lo Iago, poiché è un luogo che è stato esemplare e che ha formato tutti noi .

La mostra Stone and Image: The Good Print sarà esposta dal 25 luglio al 26 ottobre presso l'Istituto di Arti Grafiche di Oaxaca (Macedonio Alcalá 507, Oaxaca).

Daniel López Aguilar

La Jornada, giovedì 17 luglio 2025, pag. 4

Esseri soprannaturali, guardiani di un cosmo sull'orlo del collasso, mettono in discussione la sopravvivenza dell'umanità su un pianeta che sembra aver perso la pazienza. Cosa succede quando l'essenza umana si allontana dalla propria natura?

Questa riflessione è sollevata in Bonsai, il film d'esordio della Physical Theatre Company, che costruisce un approccio poetico visivo per mostrare la fragilità dell'esistenza umana.

La première avrà luogo oggi alle 20:00 presso l'Arts Forum del National Center for the Arts (Cenart), con un cast composto da diplomati della National School of Theatrical Arts.

Il progetto è nato in risposta ai disagi causati dalla pandemia e rappresenta un rifugio collettivo per una generazione di artisti che desiderano creare e mantenere la propria piattaforma creativa.

Per Alejandro León Espinosa, direttore artistico e uno dei protagonisti, la creazione di questa compagnia è nata da un'esigenza urgente: canalizzare l'incertezza in azione.

La pandemia di COVID-19 ha interrotto bruscamente la nostra preparazione accademica, ma ci ha anche spinto a chiederci cosa potessimo fare per noi stesse , ha osservato in un'intervista a La Jornada . Il percorso non è facile, soprattutto quando chi ha già un riconoscimento è privilegiato .

La trama si svolge in un universo fantastico in cui l'ambiente assume forme e suoni insoliti: un giaguaro, un colibrì, un delfino e un'aquila rappresentano questi protettori del cosmo. Si trovano di fronte a un bivio: la Terra deve essere distrutta per preservarne l'essenza, poiché l'ambiente naturale mostra segni di esaurimento di fronte all'indifferenza umana.

Il corpo comunica ciò che le parole non riescono a raggiungere.

Fin dai primi giorni di prove, sotto la direzione di Hugo M. Bolaños, il gruppo ha esplorato la comunità con esercizi che hanno permesso di adottare aspetti naturali come la pioggia, i terremoti e le tempeste.

L'improvvisazione è stata fondamentale per il nostro processo creativo , ha aggiunto León Espinosa (Tuxtla Gutiérrez, Chiapas, 1991). Ci ha spinto a essere una forza della natura, a comunicare con il corpo ciò che le parole non possono .

Lo spettacolo riunisce sei interpreti sul palco: Andrea Lara, Andrea Aguilera, Andrea Cedeño, Citlali Chong, Ximena Sotomayor e lo stesso Alejandro León. Una marionetta, manovrata da Natalia Leza, interpreta il bambino sopravvissuto, simbolo di speranza e incertezza.

La scenografia mantiene l'atmosfera di rinascita e fragilità: il pavimento evoca la corteccia di un albero che ha visto il passare delle stagioni. Due tessuti trasparenti, ricamati con piante e fiori, suggeriscono la terra in transizione, tra morte e rinascita.

La musica strumentale scelta da Bolaños accompagna il movimento e scandisce il polso di un pianeta che respira e soffre insieme ai suoi abitanti.

Il corpo agisce come strumento per raccontare una storia che trascende il discorso verbale. Alejandro León ha ricordato che la sua formazione alla Scuola Nazionale di Arti Teatrali ha sempre incluso il movimento come linguaggio essenziale.

"Non prestiamo attenzione solo alle parole; impariamo anche a osservare gli altri, a percepirne la presenza. Questo crea un tessuto collettivo in cui ognuno contribuisce con la propria sensibilità. Questa orizzontalità è fondamentale per bilanciare direzione e azione, grazie alla comunicazione costante e alla suddivisione dei compiti.

Spero che questa produzione rifletta qualcosa dell'esperienza di chi la frequenta, soprattutto dei giovani che, come noi, hanno vissuto l'isolamento. Voglio che vedano che i progetti sono possibili, che questo spazio accoglie nuove voci e che il teatro può essere un atto di resistenza.

"C'è ancora tempo per salvare il pianeta. Quando vedo un albero, mi sento parte di qualcosa di più grande, di una natura che non dobbiamo dimenticare. Asfalto, automobili, consumi eccessivi... tutto indica un percorso che minaccia ciò che amiamo. La Terra è un sistema vivente che, prima o poi, deciderà di dire basta", ha concluso.

La stagione dei bonsai inizia oggi e si conclude il 27, con spettacoli il giovedì e il venerdì alle 20:00, il sabato alle 19:00 e la domenica alle 18:00 presso il Cenart Arts Forum (Río Churubusco 79, quartiere Country Club Churubusco).

I biglietti costano 150 pesos, con una promozione speciale il giovedì a 30 pesos e il mercoledì 2 per 1 per gli acquisti online.

Buoni MacMasters

La Jornada, giovedì 17 luglio 2025, pag. 5

Lo scrittore e giornalista Carlos Monsiváis (1938-2010) era un appassionato collezionista delle sculture in miniatura dell'artigiano oaxaca Roberto Ruiz (1928-2008). Nel corso degli anni, ha acquisito centinaia di questi oggetti in osso intagliati e scolpiti, raffiguranti una varietà di temi, da scheletri, catrina, arcangeli e diavoli a immagini religiose, eroi nazionali e scene di vita quotidiana ispirate alla terra natale dell'artista.

Scrisse persino un libro sul vincitore del Premio Nazionale per le Scienze e le Arti del 1988, nell'ambito delle Arti e delle Tradizioni. Per Monsiváis, l'ossessione di Ruiz per i teschi "deriva organicamente dalla sua ricerca di forme essenziali, di rigorose presentazioni del popolare e del tradizionale. Dimostrando la sua sensibilità in ensemble variegati (dove la forzata promiscuità delle figure genera accoppiamenti inaspettati, linee di sensualità che la nascita offre), utilizza anche i motivi più ortodossi, i paesaggi del costumbrismo, l'amore amoroso delle coppie pari . Mentre i temi variano, la costante è l'atteggiamento del maestro Ruiz, che si immerge profondamente in ogni pezzo e non scende mai a compromessi in termini di intensità o potenza immaginativa".

A quanto pare, l'unico insegnante che Ruiz riconobbe fu José Guadalupe Posada.

Nel 2008, il Museo del Estanquillo (Museo delle Collezioni Carlos Monsiváis) gli ha dedicato una mostra. Ora, il museo torna sul tema con la presentazione di Roberto Ruiz: Gigante della Miniatura , che presenta oltre 600 opere, tutte collezionate dallo scrittore. Il Museo dell'Estanquillo ospita la più grande collezione di sculture in miniatura dell'artista che ha sviluppato la sua opera a Ciudad Nezahualcóyotl. Le opere coprono un periodo che va dal 1960 al 1990.

Nato il 2 marzo 1928 a Miahuatlán, Ruiz frequentò la seconda elementare. All'età di 6 anni iniziò a giocare con l'argilla, che raccoglieva dal pavimento di un laboratorio di ceramica di fronte a casa sua, per modellare delle statuette. A 9 anni, si dedicò al legno. Quando fu mandato a fare il pastore, si divertì a creare figure di legno usando ciò che vedeva nei campi, usando strumenti affilati, un machete o un coltello.

Le pressioni familiari lo costrinsero a lavorare e, nella cucina di un panificio, scoprì la sua futura carriera: trasformare l'impasto del pane in figure. A scuola, invece di seguire i consigli dell'insegnante, riempì il suo quaderno di disegni. Non smise mai di creare le sue figure, miniature in erba di ballerine, Tehuana e presepi.

▲ La Catrina , una scultura in osso di Roberto Ruiz. Foto tratta dalla pagina Facebook del Museo del Estanquillo.

Intorno al 1943, l'adolescente si recò nella città di Oaxaca per vendere le sue creazioni. A un certo punto, si rese conto che la sua sensibilità, la sua abilità manuale e gli strumenti che aveva a disposizione non erano sufficienti per realizzare opere più elaborate. Accarezzò quindi l'idea di frequentare una scuola per imparare meglio ciò che faceva in modo rustico, ma una scuola del genere non esisteva.

Di fronte alle sue scarse prospettive di vita, Ruiz si trasferì a Città del Messico in cerca della scuola dei suoi sogni. Si stabilì nel quartiere di Ciudad Nezahualcóyotl, a Las Palmas, si sposò e gradualmente sviluppò ed esplorò la propria immaginazione. Con una padronanza assoluta degli strumenti e degli utensili comuni nei laboratori odontoiatrici, iniziò a realizzare nuove miniature più in linea con i suoi interessi. Si allontanò dagli stereotipi e dalle tipicità così richieste nelle botteghe artigiane e optò per figure di morte che avevano sempre ossessionato la sua immaginazione.

Intorno al 1957, i nuovi temi e motivi attirarono l'attenzione del proprietario del negozio di artigianato Víctor e di diversi privati, tra cui i direttori del Museo delle Arti e delle Industrie Popolari, che proposero una mostra delle sue miniature. Alla fine degli anni '60, i direttori del museo lo incoraggiarono a creare miniature con temi specifici. Ciò portò a un aumento delle sue entrate, permettendogli di smettere di produrre stampi in plastica, che utilizzava per sostenere la sua famiglia.

cameo della regina Elisabetta II

Delle sue opere intagliate, 17 fecero parte di una mostra al British Museum nel 1981. Il successo fu tale che la regina Elisabetta II posò per Ruiz affinché realizzasse un cammeo in avorio della sua immagine. Il pezzo fu conservato insieme ai gioielli della corona e i 17 pezzi furono trasferiti a Buckingham Palace, dove rimasero esposti per 28 anni.

Le sculture di Ruiz si distinguono non solo per la precisione della loro esecuzione, ma anche per le storie che ciascuna di esse racchiude.

Roberto Ruiz: Il Gigante della Miniatura sarà inaugurata sabato alle 12 presso il Museo del Estanquillo Collezioni Carlos Monsiváis (Isabel la Católica 26, Centro Storico, Città del Messico).

Daniel López Aguilar

La Jornada, giovedì 17 luglio 2025, pag. 5

Tra gli oggetti che fanno parte della vita quotidiana, pochi custodiscono tanta memoria quanto una sedia. Sono testimoni silenziosi che portano il peso del tempo, delle conversazioni e dei silenzi.

Questa carica simbolica è al centro di SillArte , una mostra di 13 opere create dal duo creativo Max Sanz e sua moglie, Guadalupe Pérez Morales. La mostra si tiene presso l'Hotel Casa Cantera, nel centro di Oaxaca.

Hanno un potere simbolico, politico e religioso che li accompagna da sempre , ha spiegato Sanz in un'intervista a La Jornada .

La scelta della sedia ha anche un aspetto pratico. Acquistarne una è molto semplice. Volevamo che fosse funzionale e decorativa allo stesso tempo.

Ogni opera combina tecniche che ne enfatizzano l'unicità: foglia d'oro, vetro liquido, arazzo in PVC, bronzo liquido, agenti tonificanti, bitume di Giudea e craquelé. Non si tratta solo di abbellirle, ma anche di mettere in luce la storia di chi le ha progettate, utilizzate e conservate.

Il progetto è nato quasi per caso, dopo diverse conversazioni con un laboratorio che recupera pezzi antichi provenienti dagli Stati Uniti. Un giorno, abbiamo raccontato loro di aver restaurato un oggetto di famiglia, ed è da lì che è nata l'idea di esporre i pezzi , ha ricordato l'artista oaxaca.

La complicità tra Sanz (Natividad, Oaxaca, 1992) e Pérez Morales è un altro pilastro del progetto. "Due teste sono meglio di una. Condividiamo la passione per la decorazione, che abbiamo studiato insieme ", ha commentato.

"Nel duo, io mi occupo maggiormente degli aspetti tecnici e visivi, mentre Guadalupe apporta una prospettiva più sensibile che conferisce carattere a ogni opera. Ci comprendiamo perché parliamo lo stesso linguaggio creativo, sebbene ognuna di noi abbia il proprio stile."

▲ Opera restaurata da Max Sanz e Guadalupe Pérez Morales e inclusa nella mostra SillArte . Foto per gentile concessione di Sanz.

Invece di cancellare le tracce del passato, abbiamo cercato di mantenerle vive. Volevamo recuperare il momento in cui furono creati, i modelli concepiti per la moda e il comfort di quell'epoca , ha sottolineato.

Il montaggio invita a risvegliare i ricordi: una stanza di famiglia, la casa dei nonni, una scena di un film.

Questi mobili sono sempre stati associati a chi apprezzava i dettagli e la qualità. Invece di ripetere arazzi barocchi o classici, li abbiamo trasformati con colori e texture contemporanei , ha aggiunto l'artista.

Restaurare e trasformare vecchi mobili ha contribuito a ridurre l'abbattimento di alberi e a evitare che finissero come rifiuti che impiegano secoli a decomporsi, ha spiegato. È stata anche una decisione economicamente sensata: è meglio investire in qualcosa che duri piuttosto che in qualcosa di usa e getta .

Per Sanz, l'ambiente di Oaxaca ha dato significato e sfumature al progetto. "Qui, l'arte si percepisce nei telai, nell'argilla, negli alebrijes... Abbiamo recuperato quell'identità per applicarla a opere che continuano a far parte della vita quotidiana."

Vogliamo che il pubblico ricordi che dietro ogni creazione c'è qualcuno che l'ha pensata, ha scelto materiali e forme, e che ancora oggi ha qualcosa da dire. Le sedie contengono più di semplici corpi: contengono ricordi, sguardi e persino ciò che resta non detto , ha concluso.

Con ingresso gratuito, SillArte può essere visitata presso l'Hotel Casa Cantera (Privada de Reforma 103, quartiere Centro, Oaxaca).