Cannes 2025 : 5 œuvres pour redécouvrir le cinéaste David Lynch

David Lynch, formé à la peinture et aux arts plastiques à Boston et à Philadelphie, vient de réaliser son premier film, Eraserhead (1977), œuvre expérimentale tournée en noir et blanc aux visions cauchemardesques, lorsque le réalisateur Mel Brooks, qui est aussi producteur, fait appel à lui pour mettre en scène Elephant Man.

Le film raconte la vie de John Merrick (John Hurt), un Britannique de l’ère victorienne atteint d’une maladie qui lui déforme le corps, utilisé comme une bête de foire. Jusqu’à ce qu’un médecin, le docteur Treves (Anthony Hopkins) s’intéresse à lui et mette à jour son humanité blessée.

D’une narration relativement classique, le film tourné en noir et blanc permet au cinéaste de laisser libre cours à sa fascination pour les monstres et la déformation des images. Grand succès public, notamment en Europe, il lui apporte surtout la notoriété et attire l’attention du producteur Dino De Laurentiis, qui va produire ses deux films suivants, Dune et Blue Velvet.

Après l’échec de son adaptation de Dune, David Lynch souhaite faire un film plus personnel, un thriller avec des héros adolescents. Naît ainsi en 1986 Blue Velvet, histoire d’un jeune homme découvrant un soir une oreille humaine découpée dans un champ.

Décidant de mener l’enquête, ce personnage (interprété par Kyle MacLachlan) fera la découverte d’une conspiration criminelle, ainsi que la rencontre d’une jeune femme mystérieuse. Blue Velvet raconte l’itinéraire initiatique d’un adolescent vers l’âge adulte.

Lorsque le film sort dans les salles américaines, il est boudé par le public, qui juge le film trop déroutant dans le mélange qu’il fait d’érotisme et de psychanalyse. Quelques années après sa sortie, le film deviendra une référence, notamment pour sa description des banlieues américaines.

C’est le film de la consécration pour le cinéaste, couronné par une Palme d’or au Festival de Cannes. Sorte de road movie trash et déjanté, il met en scène l’amour passionnel entre deux jeunes gens, Sailor (Nicolas Cage) et Lula (Laura Dern), auquel s’oppose la mère de cette dernière.

S’ensuit une cavale à travers les États-Unis, des tueurs à gage à leurs trousses, au cours de laquelle ils rencontreront une série de personnages inquiétants dont Perdita Durango (Isabella Rossellini) ou Bobby Peru (Willem Dafoe). Porté par une énergie survoltée, déconcertant par ses ruptures de ton, le film mêle le goût du cinéaste pour le film noir, les atmosphères étranges ainsi que le passé traumatique de ces personnages. Bien qu’il rencontre un accueil assez froid aux États-Unis, Sailor et Lula est devenu un film culte pour toute une génération de spectateurs.

Au même moment que Sailor et Lula, David Lynch signe avec Mark Frost la première saison de sa série télévisée Twin Peaks diffusée sur ABC. C’est l’œuvre qui définit sans doute le mieux le style « lynchien ». À partir d’une intrigue classiquement policière – un agent du FBI incarné par Kyle MacLachlan vient enquêter sur le meurtre d’une lycéenne, Laura Palmer, retrouvée morte dans une rivière près de la frontière canadienne –, le cinéaste nous entraîne peu à peu dans un univers fantasmatique peuplé de personnages étranges (un nain dansant, une femme portant une bûche, etc.) porté par une bande sonore hypnotique et entêtante signée Angelo Badalamenti.

On navigue alors entre réalité, fantasmes et psyché d’un héros qui perd pied peu à peu. Cette série aux innombrables fans est considérée comme celle qui a renouvelé le genre aux États-Unis. Elle a donné lieu à une seconde saison en 1991 et à un film en 1992, considérés comme moins réussis, puis à une troisième saison en 2017.

C’est sans doute le chef-d’œuvre de David Lynch, couronné par un prix de la mise en scène au Festival de Cannes. Conçu d’abord pour être le pilote d’une série à la manière de Twin Peaks, il devient un film à la suite du refus d’ABC de produire le projet. Ce long métrage aux allures de film noir très hollywoodien nous entraîne encore plus loin dans l’onirisme et l’univers quasi surréaliste de David Lynch.

Une actrice débutante, Betty (Naomi Watts), fraîchement débarquée à Los Angeles, y rencontre une femme amnésique qui vient de réchapper à un accident de voiture après avoir été menacée par des tueurs. La blonde et la brune se lancent à la recherche de son identité, alors que se succèdent toute une série de scènes n’ayant apparemment aucun lien entre elles.

Avec sa narration éclatée, son esthétique ultra-léchée, son univers envoûtant et son énigme finale, le film est fascinant et a donné lieu à de multiples interprétations sur sa résolution. Bien que plus accessible que le précédent, Lost Highway, ces deux films représentent la quintessence du cinéma d’un David Lynch fasciné par les jeux de l’esprit et l’inconscient.