Die Bedeutung von Federico García Lorca in der Theaterszene von Buenos Aires

Um die Figur Federico García Lorcas rankt sich eine Vorstellung, ein Wissen oder zumindest der Eindruck oder die Erinnerung an eine Geste , eine Ästhetik, die den Zuspruch des Publikums garantiert. Dies geschieht nicht nur, wenn verschiedene Versionen der Werke des aus Granada stammenden Autors präsentiert werden; schon die bloße Bezugnahme auf seinen poetischen Stil oder das Versprechen einer Geschichte, die Episoden aus seinem Leben verbindet, genügt, um zu wissen, dass die Zuschauer schnell herbeiströmen werden, um etwas von seinen Dramen und Versen wiederzuerlangen.

Eine Diagnose, die García Lorcas Werk so hartnäckig mit dem Publikum von Buenos Aires in Verbindung bringt, könnte zu der Annahme verleiten, seine Texte seien noch immer voll relevant. Dieser Eindruck ist jedoch fragwürdig. Zwar verleihen die Qualität seiner Werke, die Schönheit seines Schreibens und die symbolische Kraft seiner Bilder ihnen den Status eines Klassikers, doch gibt es kaum Inszenierungen von Lorcas Dramaturgie, denen es gelungen ist, diese Stücke mit der Gegenwart zu verbinden.

Wir sehen im Allgemeinen illustrative Werke, manchmal archäologische Verfahren, die wörtlich im Text bleiben, oder Shows, die dem Publikum gefallen, weil sie alle Gemeinplätze und Stereotypen wiedergeben, die sich aufgrund bestimmter Interpretationen von Lorcas Welt als Merkmale seiner Werke etabliert haben.

Im Jahr 2022 inszenierte Vivi Tellas im Teatro San Martín eine Version von „Bluthochzeit“ , die zwar Bilder bot, die eine abstrakte Erzählung lieferten, die mit den Farben Rot, Schwarz und Weiß in Guillermo Kuitcas visueller Montage mit einem neuartigen Aufdruck verbunden war, der die symbolische Logik verstärkte, dem allgemeinen Ansatz jedoch die dramatische Arbeit fehlte.

Ein anregenderes Beispiel war das Stück Lorca, das Theater unter dem Sand (Lorca, das Theater unter dem Sand) von Laura Paredes: In einer Stierkampfarena der Zukunft, in der der Stierkampf abgeschafft wurde, provozierten die Worte des Dichters die Veränderung. Paredes und Mariano Llinás wagten eine zeitliche Verschiebung, ohne die Texte selbst aufzuführen, sondern nutzten seine Stücke als Referenz. Anstatt Gemeinplätze über Lorca zu vermeiden, problematisierten sie sie.

Das Leben García Lorcas ist ein Roman für sich. Sein homosexuelles Verlangen zu Beginn des 20. Jahrhunderts, sein weltweiter Ruhm, der Bitterkeit und Hass hervorrief, weil sein Genie und sein familiärer Hintergrund von linken Ideen geprägt waren, und seine Entscheidung, seine Sexualität zu leben, die Verschwörung, Intrigen und Denunziationen seiner Familie, die 1936 zu Beginn des Bürgerkriegs zu seiner Entführung führten und ihn zu einem der Gefallenen des Franco-Regimes machten, verleihen ihm eine heroische Gestalt.

Sein Leben und Werk zeichnen sich durch eine Kühnheit aus, die ihn zu einem Pionier queerer Themen macht, eingebettet in die Formen der Unterdrückung und sozialen Überwachung, die ihn stets attraktiv machen. Bei Lorca ist Sexualität transgressiv, weil sie in einem Kontext strenger Verbote stattfindet, in dem das Befolgen des Verlangens das Leben kosten kann. Gleichzeitig gelang es ihm jedoch, die auf Klatsch und Tratsch und den Blicken anderer basierenden, so listigen und destruktiven Formen der Kontrolle als Quelle strenger Disziplin darzustellen.

Seine symbolischen Schriften dienten auch der Darstellung der Gesellschaft der Fuente Vaqueros. Tatsächlich provozierte „Das Haus der Bernarda Alba“ Wunden und Familienkonflikte, da er die echten Namen von Familienmitgliedern verwendete, um ihnen Verhaltensweisen und Eigenschaften zuzuschreiben, die weit von der Realität entfernt waren. Bis heute bestehen die Meinungsverschiedenheiten zwischen den Familien Granadas bezüglich Lorcas Tod unter den Nachkommen derer fort, die die Ereignisse vor dem Bürgerkrieg und der Errichtung der Diktatur Francisco Francos miterlebt hatten.

In diesen Tagen erleben wir erneut drei Werke, die sich auf García Lorca beziehen und so unterschiedliche Aufführungen schaffen. Das Musical Las mujeres de Lorca, geschrieben von Marisé Monteiro und inszeniert von Nacho Medina; La piedra oscura von Alberto Conejero, inszeniert von Alejandro Giles, spielt während des Bürgerkriegs und ist inspiriert von der Romanze des Dichters mit Rafael Rodríguez Rapún gegen Ende seines Lebens; und Cartas a mi hijo Federico, in dem María Marta Guitart die Figur von Vicenta Lorca neu erschafft, lassen uns über die Beständigkeit ihrer Figur und ihren dramatischen und ästhetischen Einsatz nachdenken.

Das Werk des spanischen Autors Alberto Conejero ist vielleicht das aufwendigste dieser Sammlung. „Der dunkle Stein“ ist der Titel eines unvollendeten Werks von Federico García Lorca über Homophobie. Conejero greift diesen Titel auf und kreiert ein Werk, dessen Protagonist Rafael Rodríguez Rapún, Federicos letzte Liebe, ist.

Der Regisseur recherchierte in Rodríguez Rapúns Familienarchiven und stützte sich dabei auf die Anfragen und Anregungen von Ian Gibson, einem Spezialisten für Lorcas Biografie. Das von Alejandro Giles inszenierte Material – ein Projekt, das in Spanien, wo es großen Erfolg hatte und Preise gewann, vom argentinischen Regisseur Pablo Messiez betreut wurde – konzentriert sich auf die letzten Stunden im Leben von Rodríguez Rapún (Martín Urbaneja), der in einem Militärkrankenhaus unter der Bewachung eines von Iván Hochman gespielten Offiziers ausharrt.

In diesem qualvollen Moment, der das Drama des zwischen Falangisten und Republikanern gespaltenen Spaniens verkörpert, ist Federico eine Erinnerung, ein Geist, der mit der Figur des Verschwundenen in Dialog tritt, mit einer politischen Situation, die es schafft, sich von direkten Bezügen zu lösen, um Liebe und ideologischen Kampf als zwei Elemente zu vereinen, die Federico außergewöhnlich machen und die obligatorische Verbindung zwischen diesen beiden Männern durchdringen.

„Die Hypothese meiner Inszenierung dreht sich um Krieg und Erbe“, erklärt Alejandro Giles. „Das Thema Sexualität ist präsent, da es von Rapúns Verbindung zu Lorca spricht, aber die grundlegende Achse sind Erbe, Liebe und der Kontext des Krieges. ‚La piedra oscura‘ ist kein Werk über Sexualität; es ist ein Werk über Krieg und Liebe im weitesten Sinne und in diesem Sinne eng mit unserer jüngsten Geschichte und dem Schrecken verbunden, den wir weltweit erleben. Es ist eine Geschichte, in der es viele Meinungsverschiedenheiten gibt, bis es zu einer kleinen Begegnung kommt, die Leben einen Sinn gibt“, fügt er hinzu.

Darüber hinaus integriert der Regisseur eine weibliche Figur, gespielt von Milagros Almeida, die im Originaltext fehlt: „Die beiden Figuren sprechen über ihre Mütter. Ich hatte das Gefühl, dass das Stück eine sehr starke weibliche Präsenz hat, deshalb wollte ich eine Figur namens Ella einbauen, ohne den Text zu beeinflussen. Sie steht im Hintergrund, verbindet aber die Situationen. Sie repräsentiert Rafaels Lebensenergie und Sebastiáns Gewissen“, so Giles abschließend.

*Mittwochs bis sonntags um 19:30 Uhr im San Martín Theater, Corrientes 1530.

Ausgehend von der Figur Rosario Garrido, der Frau, die sich Federicos Mutter als die Frau ihres Sohnes vorstellte, rekonstruiert Ana María Cores einen Großteil der Frauen von Lorca.

Rosario fungiert als eine Art Dolmetscherin für die verschiedenen weiblichen Charaktere, obwohl ihre Figur eine verblüffende Ähnlichkeit mit Doña Rosita aufweist, der alten Jungfer, die ewig in den Dichter verliebt war, der jedoch keusch blieb, um sich dieser mystischen Liebe hinzugeben. Das Stück, das letztes Jahr im Teatro del Plata Premiere feierte und nun im Teatro Alvear aufgeführt wird, besticht durch das Können und die Erfahrung von Ana María Cores im Musiktheater und durch das Talent der Sängerin und Tänzerin Carmen Mesa sowie der Musikergruppe Giuliana Sosa, Paula Carrizo und Lucía Cuesta.

„Ana María Cores steuert dreizehn ihrer weiblichen Charaktere, und das empfand ich als eine sehr spannende Herausforderung“, sagt Nacho Medina, Regisseur dieser Produktion. „Ich habe mich auch mit Rhythmen wie der andalusischen Folklore beschäftigt und Fandangos, Sevillanas und Flamenco ausprobiert, um sie an die Erzählung des Stücks anzupassen. Außerdem fand ich es wichtig, ein so sensibles und magisches Wesen zu inszenieren, das schließlich ermordet wurde, weil es anders dachte und anders war.“

Marisé Monteiros Text greift eine bereits etablierte Sicht auf Lorca auf, die Alltäglichkeiten, die ein bestimmtes Publikum von einer Aufführung dieser Art erwartet und fordert. Nacho Medinas Regie basiert auf einem populären Geist, der weder die Interpretation von Lorcas Werk erweitern noch überraschen will, sondern das Publikum mit einer Vielzahl vertrauter und wiederholbarer Situationen zufriedenstellen will. Dem Publikum das zu geben, was es will, ist der Verdienst dieser Aufführung.

*Mittwochs bis samstags um 20 Uhr und sonntags um 19 Uhr im Alvear Theater, Corrientes 1659.

In diesem von María Marta Guitart geschriebenen, inszenierten und gespielten Werk wird auch eine reale Figur heraufbeschworen: Vicenta Lorca, Federicos Mutter nach der Entführung ihres Sohnes durch die Streitkräfte der spanischen Phalanx.

Die Frau findet eine Reihe von Briefen, die sie ihm in den 1920er Jahren schrieb, als Federico verschiedene Länder, darunter Argentinien, bereiste. Diese Materialien sind mit Fragmenten aus Lorcas Werk kombiniert und verwoben. „Nach 20 Jahren der Recherche und der liebevollen Arbeit an Federicos Werk wollte ich eines Tages – wie jemand, der eine wichtige Person im Leben eines geliebten Menschen kennenlernen möchte – mehr über Vicenta erfahren“, erklärt Guitart. „Auf meiner Suche nach Material entdeckte ich die in einem Buch zusammengestellten Briefe und war erneut bewegt. Ich konnte die außergewöhnliche Liebe und den tiefen Schmerz einer Frau entdecken, einer Mutter, deren Sohn ihr entrissen wurde. Vicenta auf der Bühne zu verkörpern, hat meine Liebe zu ihr geweckt, und ihr eine Stimme zu geben, berührt mich zutiefst.“

*Freitag, 20:15 Uhr, im Ítaca Theater Complex, Humahuaca 4027.