Argentinien-Brasilien: ein binationales Team, das auf dem Gebiet der Abstraktion glänzt

Wie schon bei früheren Gelegenheiten beteiligt sich die brasilianische Botschaft in Argentinien an der BIENALSUR mit „Kritik der reinen Abstraktion“ , einer Ausstellung, die diese Ästhetik als Möglichkeit der Bildproduktion untersucht und einen interessanten Kontrapunkt zwischen brasilianischen und argentinischen Künstlern verschiedener Generationen darstellt. Dieser 1,4 km lange Abschnitt internationaler Kartografie, der sich durch die Biennale zieht, ist eine Übung in Beschilderung, die Elemente und Mittel verwendet, die subtile Werke, andere ausdrucksstärkere und sogar einen großen Maßstabswechsel als Hommage an einen ikonischen Künstler umfassen.

„Heute wird der Kanon der abstrakten Kunst von Künstlern neu aufgegriffen und interpretiert, die weit entfernt vom Purismus und den für die Moderne charakteristischen Gegensätzen zwischen Poetik und Kunst sind und sich in den Gewässern eines ästhetischen Pluralismus bewegen, der zentrale Probleme und Themen unserer heutigen Welt in die Sprache der Abstraktion einbringt“, erklärten die Kuratoren Florencia Battiti und Fernando Farina ihre Auswahl.

Bei Ihrem Rundgang durch die Galerien können Sie einige Meisterwerke zweier argentinischer Sammler bewundern, einen Querschnitt der Generationen, der den Dialog innerhalb einer Gruppe von Künstlern fördert, die bereits über eine anerkannte Identität verfügen. Es handelt sich um jene Generationen, die in den 1960er und 1970er Jahren die Idee, die Grenzen zwischen Kunst und Alltag zu überwinden, sehr ernst nahmen. Zu ihnen zählen Waltercio Caldas (Rio de Janeiro, 1946), bekannt für seine Teilnahme am Neokonkretismus, und Mira Schendel (Zürich, 1919 – São Paulo, 1988), die ein einzigartiges Werk entwickelte, das von Philosophie, Phänomenologie und Sprache beeinflusst ist und für das sie Materialien wie Reispapier, Talkumpuder und Ziegelmehl verwendet.

Caldas' Box verbindet das konzeptuelle Objekt mit minimalistischer Zeichnung und Skulptur und erforscht Wahrnehmung, Leere und Raum. Daneben verwendet Schendel mit einer Reihe zusammenhängender Stücke, die Stille suggerieren, Linien, Punkte und Grundformen, die den Raum der Papierfläche kaum ausfüllen. Eine Übung in introspektiver Lektüre , die auf den Tisch mit den subtilen schwarzen Formen von Elba Bairon (Bolivien, 1947) stößt – Skulpturen mit glatten Oberflächen, die spannungslos auf dem weißen Tisch ruhen.

Im Flur kontrastieren zwei interessante Sequenzen. Auf der einen Seite eine Reihe von Siebdrucken von Macaparana (José Souza Oliveira Filho, 1952), einem Autodidakten, der seine Ausstellungskarriere 1970 in Recife begann und seit 1973 in São Paulo lebt und arbeitet. Sein auf geometrischer Abstraktion basierendes Werk ist handwerklich einwandfrei, mit intensiven Farbflächen und einer ausgeprägten grafischen Handschrift. Dem gegenüber steht eine Serie von Florencia Caiazza (Buenos Aires, 1982), einer im UTDT Artist Program ausgebildeten bildenden Künstlerin, die eine Kreuzung zwischen dem Materiellen und dem Symbolischen vorschlägt, indem sie einige kontrastierende Zeichen oder einfache Formen einbezieht, die handgewebt sind und als zeichnungsähnliches Papiermedium fungieren.

Einige Leinwände von Natalia Cacchiarelli (Bahía Blanca, 1971) – einer bildenden Künstlerin, die in den 1990er Jahren Mitglied der Gruppe Ø Cero Barrado war – zeichnen sich durch subtile Kontraste und klar segmentierte Formen mit kleinen Farbtupfern aus, die in der Komposition sehr ausgewogen sind. Dies unterscheidet sich von einer anderen Serie, in der fast unvermischte Grautöne vorherrschen und die kleiner ist und deren Komposition durch den Pinselstrich gezwungen wird, über die Ränder jeder Form hinauszugehen.

Sehr passend sind die Variationen in den Gemälden von Juan José Cambre (Buenos Aires, 1948), einem argentinischen bildenden Künstler, der in den 80er Jahren Teil der New Image-Bewegung war und an der Biennale von São Paulo (1985) mit Ausstellungen in Caracas und Paris teilnahm. Die Werke sind neueren Datums und erkunden bestimmte eingeschränkte Farbvariationen in den großformatigen Arbeiten, aber durch die Änderung des Maßstabs auf ein Quadrat von 30 x 30 cm verwendet er diagonale Formen, die von außen in die Fläche einzudringen scheinen, und verwendet Farben mit geringem Kontrast.

Im Gegensatz zur Kantigkeit von Cambre fallen die Textilskulpturen von Jessica Trosman auf. Die argentinische Designerin und Künstlerin gründete 1997 Trosmanchurba und 2002 ihre gleichnamige Marke Trosman und begann 2019 ihre Karriere als Künstlerin. Ihr Schwerpunkt liegt auf Textilskulpturen – einer Kombination aus Stoffen mit unterschiedlichen Materialien, glänzend oder mit einem bestimmten, durch die Farbe hervorgehobenen Schimmer überzogen –, die gut verteilt an Orten erscheinen, wo sie für sich allein stehen, beispielsweise am Ende eines Flurs oder an einer Wand, wo sie aufgrund ihres Volumens Wirkung erzielen.

Die skulpturalen Objekte von Marcolina Dipietro , die bereits mit Interventionen in Rosario und Rio de Janeiro Teil der BIENALSUR 2017 war – und 2021 auch den ersten Preis der Fortabat-Stiftung gewann –, stellen nun eine Serie dar, die Metall und organische Materie kombiniert. Sie schafft einen Nexus, der die Oberflächen mit schlanken, gut gewählten Zweigen aufwertet, die in Kontinuität mit den regelmäßigen Metallformen eingefügt sind.

Während der Raum jedes Werk dieser Serie bei Marcolina dominiert, platziert Elvira Amor (Madrid, 1982), die in Madrid, Cuenca, Buenos Aires, Puebla, Brüssel und Yogyakarta gelebt und gearbeitet hat, Formen an der Wand, die sogar eine Art Miniregal imitieren. Eine Art, den Raum mit einer sehr einzigartigen Form zu bewohnen, die sich kaum von der Wand löst und eine gewisse Projektion erzeugt, in einem Fall aufgrund der intensiven Farbe oder der Feinheit der kühlen, hellen Töne, die mit Industriefarbe mit glänzendem Finish erzielt wurden.

In einem kleinen Raum mit niedriger Decke wurden die Lichtarbeiten des in Rosario geborenen Juan Ignacio Cabruja ausgestellt. Cabrujas visuelle Praxis bringt zeitgenössische Kunst, Technologie und kritisches Denken zum Ausdruck. Zwei leuchtende Schilder, die durch ihr goldgelbes Leuchten auffallen, sind horizontal und vertikal gruppiert. Ihre Verbindungen werden durch schwarze Akzente hervorgehoben, die die Kabel und Halterungen der leuchtenden Neonlichter verschwimmen lassen.

Die großartige Leda Catunda (São Paulo, 1961), eine Schlüsselfigur der Geração 80-Bewegung, ist anwesend. Sie ist bekannt für ihre „weichen Gemälde“ auf Stoffen wie Handtüchern, Samt und Seide. Ihre Werke kombinieren manuelle Techniken – Malerei, Collage, Siebdruck und Nähen – und behandeln Themen wie Konsum, Emotionen und Identität. Das ausgestellte Werk ist eine Kombination aus Collage und Aquarell mit wenigen Farbkontrasten, die ihren hängenden Werken ohne Glas oder Rahmenschutz ähneln.

Die Hommage an den Meister ist Malewitsch gewidmet, ein Werk von Andrés Sobrino (1967), dessen Maßstabsänderung die Eingangshalle erobert. Eine territoriale Aneignung, die die eindrucksvolle Dimension des Originals, des kleinen, aber dennoch so ausdrucksstarken Gemäldes mit den Maßen 79 x 79 cm, übersehen lässt.

Die ausgewählten Werke stammen von Silvia Gurfein (Buenos Aires), einer multidisziplinären Künstlerin, die ihre Karriere in Theater, Tanz und Musik begann und sich 1996 der Malerei zuwandte, dem zentralen Schwerpunkt ihrer künstlerischen Arbeit. Ihre Arbeit erforscht Zeit als Materie und Erinnerung, mit Linien, die frei über die Fläche wandern und uns einen Verlauf mit einigen Richtungs- und Farbänderungen nachzeichnen lassen, die aufgrund der Weichheit ihrer klaren Linien kaum wahrnehmbar sind. Sie erforscht das Bild als Überbleibsel oder Geist, zwei flüsternde Töne und Linien, die in kleinen Stücken enden, die aus anderen Farbresten auf der Palette gewonnen wurden.

„Critique of Pure Abstraction “ kann bis zum 11. Oktober im Pereda Palace, Kulturraum der brasilianischen Botschaft, Arroyo 1130, von Dienstag bis Freitag von 12 bis 18 Uhr und samstags von 14 bis 18 Uhr besichtigt werden.

Am 4. August wird die BIENALSUR in Córdoba mit der Eröffnung von „Exercises in Insubordination“ fortgesetzt, einer Reihe künstlerischer Interventionen im Kulturzentrum Spaniens in Córdoba unter der Leitung der spanischen Künstler Núria Güell und Alan Carrasco.

Am 7. findet im Museo Superior de Bellas Artes Evita – Palacio Ferreyra die Eröffnung von The Unfaithful Copy statt, einer Ausstellung, die die Geste und Praxis des Kopierens in der zeitgenössischen Kunst reflektiert und an der so unterschiedliche Künstler wie Alfred Stieglitz (USA), Sol Le Witt (USA), Marta Minujín (ARG) und Liliana Maresca (ARG) teilnehmen, neben vielen anderen, die in ihrer Arbeit ein ähnliches Anliegen teilen: die Präsenz der Kopie als kritische und politische Geste, die für die zeitgenössische Kunst charakteristisch ist.

Am 6. August wird die Ausstellung „Errázuriz – Lestido. Helden | Sepu Zarco. Die Eroberung der Heimat“ im MATTA-Kulturzentrum der chilenischen Botschaft in Argentinien eröffnet . Diese Ausstellung , die zum ersten Mal in Argentinien zu sehen ist, vereint die Werke der renommierten chilenischen Fotografin Paz Errázuriz und der prominenten argentinischen Fotografin Adriana Lestido . Beide verbindet eine visuelle Kraft, die das Unsichtbare, Ausgeschlossene und Zum Schweigen gebrachte in Frage stellt.

In dieser fünften Ausgabe werden am 8. August in Rosario vier Gruppenausstellungen eröffnet. An der Fassade des Städtischen Museums der Schönen Künste Juan B. Castagnino vereint die Ausstellung „Lichter meiner Stadt“ drei Lichtinterventionen (eine historische und zwei zeitgenössische) von Margarita Paksa (ARG), Ivana Vollaro (ARG) und dem Fuga Collective (ARG).

Das Kulturzentrum Parque de España (CCPE) eröffnet „The Garbage Rebellion“ , eine Gruppenausstellung mit Werken, die „andere Zeitlichkeiten zu erschließen versuchen, die Aktionen des Sammelns, der Wiederaneignung und der Neuerfindung integrieren“, während der spanische Künstler Mario Espliego in „Ládano“ eine poetische, politische und multidisziplinäre Untersuchung der Geographie Zentralspaniens vorschlägt. Beide stehen unter dem allgemeinen Untertitel „Fragmentierung der Obsoleszenz“, der uns einlädt, über die möglichen Risse oder Splitter des sogenannten „technologischen Fortschritts“ nachzudenken.

Schließlich wird im Macro- Museum für zeitgenössische Kunst von Rosario „Schöne neue Welt“ eröffnet, kuratiert vom Museumsdirektor Roberto Etchen und Fernando Farina, mit Werken, die an das dystopische Universum erinnern, das Huxley in dem gleichnamigen Buch angekündigt hat.